Imágenes en movimineto

‘El arte de pasar de todo’, no te angusties por no ser indie

2011-10-14T12:59:00.022+02:00

Bajo el sugerente título que acabáis de leer, se nos presenta una película cargada de buenas intenciones, entretenida y disfrutable pero, también, algo fallida por lo calculada y previsible que acaba resultando su propuesta. Los aplausos y capones deben ir a parar, en su mayoría, a la misma persona, a Gavin Wiesen, quien firma el libreto y también la dirección. Debo reconocer que hasta ahora no había visto nada de este director pero creo que lo seguiré de aquí en adelante, porque presiento que la cosas pueden ir a mejor (o al menos eso espero).

Esto me suena

El punto de partida no es precisamente original encontrándonos ante la clásica historia de chico-conoce-chica; siendo el primero un joven con un carácter y visión de la vida diferentes al de la mayoría, alejado por tanto de lo convencional lo cual, como podéis imaginar, resulta atrayente para la chica que, sin ser la típica animadora petarda y superficial del High Schooll que en tantas series y películas adolescentes hemos visto, sí que es popular, siendo socialmente aceptada como una más por los más cool del instituto.

Para entender la película hay que entender a su protagonista, a George Zinavoy (Freddie Highmore, el chico, ya crecidito, de ‘Charlie y la fábrica de chocolate’). George se nos presenta al comienzo del film como un joven taciturno, algo apático que, como cualquier otro adolescente que está apunto de dejar de serlo, busca su lugar en el mundo.
Pero, a diferencia de la mayoría de sus compañeros, él no busca darle sentido a la vida en las fiestas que acaban casi siempre en borracheras, en los ligues esporádicos y ligeros que pronto se olvidan… tampoco se ve lastrado por la falsa creencia de que una imagen atractiva es fundamental para lograr la aceptación de los demás, no. George es un bohemio, un “antihéroe” ataviado con una especie de capa negra (un abrigo negro que lo viste y perfila de la cabeza a los pies) presa de un cinismo y pesimismo impropios (y excesivos) de su edad; Se ve así mismo como una flor que ha marchitado prematuramente porque la vida le ha dado la espalda, quedándose encallado en sus propios pensamientos y sin ganas de subirse a ese carro que es la vida y que prosigue impasible su curso, sin esperar a nadie.

Pero el amor lo cambia todo

Y, en medio de esta soledad, de este hastío, de este pasar de todo, surge Sally Howe (guapísima Emma Roberts) la chica popular pero inteligente y despierta, cansada de estar con chicos que nada le aportan y que ve en George algo diferente, estimulante, algo, en definitiva, que le gusta. ¿Y George?; pues sucede que al final, la vida no resulta tan desalentadora como parece. Es cierto que tu padrastro no es el hombre que quieres al lado de tu madre y que ésta no siempre va a entenderte pero, ¿qué es la vida sino un camino lleno de obstáculos en el que muchas veces no sabes ni por donde tirar, ni a quién escuchar y donde es tan fácil y recurrente sentirse perdido por momentos?

Por eso, cobra importancia la idea de que las cosas no son tan buenas ni tan malas como parecen en su momento. La edad te hace madurar y acabas comprendiendo que todo tiene una importancia relativa y si no, siempre está el amor, esa fuerza suprema que todo lo puede y que despierta del letargo de la apatía y la tristeza a cualquiera, por mal que se esté.

Es entonces cuando todo parece cobrar sentido para nuestro protagonista que, en el fondo, no es tan disitnto de los demás como él se piensa... Al final, todos queremos lo mismo; querer y ser queridos. Y es aquí, en esta idea, en este sentimiento, donde entra Sally, que es el cuadro que George llevaba dentro pero que no conseguía pintar, es el empujón que necesitaba para esos trabajos de fin de curso que no quería hacer... Porque es ella, con su mirada, con su sonrisa, con su rostro sereno, lo que le hace sentir bien. Es, en definitiva, la fuerza motora que necesitaba su corazón para empezar a latir de verdad.

Y es entonces cuando George comprende que su padrastro no es tan mal tipo y que su madre hace lo que puede y que la vida no es, en defnitiva, tan cruel; da segundas oportunidades pero, claro está, hay que saber aprovecharlas. Hay que levantarse, quitarse las telarañas y empezar a correr, con los puños prietos, con los brazos en alto, o como te de la gana pero no vale quedarse en un rincón, lamiéndose las heridas. Sal a la calle y persigue una meta y no pares hasta conseguirla... Vive la vida, que, al final, es de lo que se trata.

No todo es arte

No cabe duda de que estamos ante una película interesante, que invita a reflexionar sobre quiénes somos y qué lugar ocupamos en el mundo pero, casi siempre hay un pero, no estamos ante un producto redondo.

El principal problema radica en su protagonista, en como está perfilado. Y es que, aunque se puede entender las dificulatdes por las que atraviesa en su vida, se remarcan demasiado ciertas ideas, repitiéndolas demasiado en los diálogos, haciendo que el personaje de George sea eso, un personaje y no una persona que nos podamos creer y con la que podamos identificarnos. Tenemos demasiada consciencia de ello porque, por momentos, no resulta natural; ciertas actitudes acaban siendo poses que no te crees, llegando a la impostura y eso, para una peli que pretende "ir por libre" es una losa.

Aquí no se respira la genuina espontaneidad ni naturalidad de pelis como 'Little Miss Sunshine' o 'Juno', quedando, como decía al prinicpio del texto, en un intento encomiable por separarse del resto pero, sin llegar a conseguirlo del todo. Al final la pelicula está más planificada de lo que debería y el ave que se jacta de ser única y de volar alto acaba por plegar sus alas un poco a lo comercial, con una final esperado y demasiado a pedir de boca.

Me gusta el cuadro, desde luego, pero no es tan original como pretende serlo. De hecho, he visto parecidos (y con mejores resultados) en otras oasiones.

'El árbol de la vida', cuando falla el mensaje

2011-09-27T14:34:00.017+02:00

Después de tantos meses “en el dique seco” retomar este blog con lo último de Malik no es, probablemente, la mejor forma de hacerlo, algo que podréis atestiguarlo quienes hayáis tenido la oportunidad de ver una película que está dando que hablar; por su puesta en escena, por los temas que aborda y, sobre todo, por la forma que tiene de hacerlo.

Entiendo el desconcierto general de todos aquellos espectadores que se acercan a las salas de cine esperando ver, debido en parte a un marketing bien calculado, “la nueva película de Brad Pitt”, un actor que, todo hay que decirlo, ha demostrado tener buen olfato a la hora de embarcarse en nuevos proyectos cinematográficos y, tan importante como esto, un actor que ha ido creciendo profesionalmente con los años, hasta ofrecer la que es sin duda, su mejor interpretación hasta la fecha.

Pero 'El árbol de la vida' no es, en nigún caso, un producto para el lucimeinto de una estrella como Pitt, no. La película es un medio, un instrmento con el que su director se sirve para poder plasmar sus sentimientos acerca de lo que cuenta, su espiritualidad, su visión o cosmovisión del mundo que nos rodea y del que formamos parte... Esa es verdadera razón de ser de este film, la de un cineasta que trata en cada nuevo trabajo de mostrarnos las conexiones que existen entre todos los elementos que conforman la naturaleza, incluido, por supuesto, el hombre. Estas son las inquietudes de Terrence Malik, el verdadero “leitmotiv” de sus obras y creo que es fundamental saberlo porque, de lo contrario, la primera impresión puede ser difícil de digerir.

Ahora bien, que conozcamos los intereses y motivaciones de un artista no implica, en nigún caso, que tengamos que comulgar con su obra y mucho menos, que tengamos que considerarla buena o excelente porque se mantenga fiel a las propuestas formales y narrativas de su autor.

La vida, la muerte y el más allá

No han faltado, tras ver el film, las voces críticas que han reprochado al director de la estupenda “Badlands” su intento por aglutinar, en poco más de dos horas (que a muchos se les harán eternas), diversos temas, todos ellos universales y con un marcado carácter existencial. Personalmente, no veo nada malo en que un director trate de abordar cuestiones cotidianas tales como la difícil relación entre padres e hijos, las consecuencias que se derivan de recibir una educación u otra, el amor dado y el recibido…y otras menos terrenales, que tienen que ver con la vida y la muerte, sobre quiénes somos y qué lugar ocupamos en el universo, etc. De hecho, esto es algo que el ser humano lleva preguntándose desde que es consciente de su propia existencia. Por tanto, no creo que el problema radique en lo ambicioso de su propuesta; en la cantidad de cosas que se tratan y en la naturaleza de las mismas, no. El problema viene porque la película no lo consigue, tan simple como eso. Y es que, por muy buen director que se sea, y Malik ha demostrando serlo, no es precisamente fácil aproximarse a cuestiones tan poco tangibles, de las que no se tiene certeza alguna y que, por tanto, caen en el terreno de la especulación, de las creencias personales que se tienen, más aún, de la fe, perdiendo con ello bastante interés sobre lo que se pretende contar si no se comulga con dichas ideas.

Tampoco ayudan los “tics” propios del director; esa obsesión por lo anecdótico que le lleva a mostrar planos de hojas meciéndose por el viento o la mano de un personaje acariciando la corteza de un árbol, por citar un par de ejemplos. Es evocador la primera vez, sí, la vida esta llena de pequeñas cosas que están en comunión, no lo discuto, pero cuando lo repites una vez tras otra, acaba cansando y el mensaje se desvanece porque es tan etéreo como los elementos en los que te deleitas. Y eso sí es criticable, el mensaje, sea cual sea, debe llegar al espectador, y calar hondo, es entonces cuando nos podemos sentar y hablar de las cualidades del film, sino, lo que queda es un bonito documental de bella factura y poco más.

Y hablo casi de documental porque ese es lo que parece en un segmento, en una parte del film que se centra en contarnos, por medio de imágenes, la creación del universo, del cosmos, de la Tierra, de los animales que la pueblan y también del hombre; de esa familia tejana de los años cincuenta en la que parece querer centrarse el film, aunque nunca llegue a hacerlo. Y después, finalmente, llega la muerte que no es tal, es seguir caminando, seguir avanzando hacia nuevos horizontes, abriendo nuevas puertas, con la incertidumbre de no saber que hay detrás, pero en compañia de las personas que hemos amado en vida, hay queda eso…

Y en medio de todo esto, una familia

Es una pena que Malik no centre todo su atención en la familia presidida por el personaje que encarna Brad Pitt porque, de haberlo hecho, probablemente estaríamos hablando de un película bien distinta. Y no, no creo que por ello Malik hubiese renunciado a ser Malik; en films como 'La delgada línea roja' la historia era lineal, más clara y concisa y no por ello se perdían las señas de identidad. Y es que, a pesar de que en este tramo también abundan (más si cabe) esos planos innecesarios que retratan lo accesorio y, aunque también hay saltos en la narración, mostrándonos momentos aislados de la familia… Pese a todo esto, estamos sin duda, ante la mejor parte del relato, abanderada por un actor que, como decía al comienzo de la entrada, esta viviendo su mejor momento profesional.

En esta película Pitt interpreta con aplomo y convicción a un padre de familia muy riguroso y estricto, casi dictatorial, que educa de forma férrea a sus tres hijos, ante la pasiva mirada de Jessica Chanstain, que, en contraposición, da vida a una mujer frágil que muestra tanto amor por sus hijos como debilidad a la hora de protegerlos, mostrándose incapaz de hacer frente a su marido.

Respecto a esto último, creo que conviene aclarar que, pese a todo, el padre no es un personaje deshumanizado, carente de afecto; Al contrario, se muestra preocupado por la educacion de sus hijos, trata de enseñarles pautas para que puedan valerse por sí mismos, para que sean hombres duros y de provecho, algo propio de una mentalidad típica del sitio y de la época a la que pertenece esta familia. No es un mal tipo, sucede que yerra en su modo de actuar pero por momentos muestra ternura, dolor ante la pérdida, reconociendo incluso, los errores cometidos, esas decisiones que tomamos y que en el momento creemos que son validas pero que acaban por no funcionar, dejando una honda herida en el corazón de los demás, no pudiendo entonces seguir avanzando (tal como le sucede al hijo mayor, transfigurado en su etapa adulta en un Sean Pean completamente perdido, en le sentido más amplio de la expresion).

Con todo, es este retrato de familia el que ofrece los mejores momentos de un film que se pierde en su discurso, en sus imágenes, en una propuesta formal exuberante pero inconsistente desde un punto de vista narrativo y que pese a todo, sabiendo a lo que juega, puede verse, aunque solo sea por lo inusual de su propuesta, en comparación con el resto del cine que se hace hoy en dia. Es más, estoy seguro que contentará a los seguidores del director, acostumbrados a este tipo de cine tan contemplativo. Pero también creo que dejará a muchos más espectadores con una sensación de indiferencia, de cierta frialdad y, algún que otro bostezo. Es una propuesta poco frecuente, diferente y esto, en principio, en una época en la que el cine está plagado de remakes y adapactiones de cómics y videojuegos, es bueno. Pero Malik asume que compartimos su mundo interior, su vision de la vida, su gusto por recrearse en la belleza de las cosas y la idea de que con eso basta para sentirnos satisfechos, plenos y, al menos para mí, no es así; necesito algo más y esta peli, no me lo da.

Decía Eduard Punset que en la vida hay que saber distinguir entre lo importante y lo fundamental pero, visto lo visto, quizás se le pasó por alto decir que, en cualquier caso, en lo que nunca hay que quedarse es en lo anecdótico. Hasta al proxima.

Las mejores películas de 2010 (y VI)

2011-01-20T21:55:00.000+01:00

Las mejores películas de 2010 (y VI)

Epílogo (de todo un poco)

Que una película de animación -que además es la tercera entrega de una saga- ocupe el primer puesto puede significar dos cosas; o que la película es increíblemente buena o que además de serlo, el resto de estrenos de este año ha sido, en su mayoría, bastante mediocres. Por desgracia, ha resultado ser lo segundo.

Probablemente estemos ante el peor año -desde que cambiamos de siglo- en lo que a cine se refiere. No es que no hayamos tenido buenas películas; esta lista y algunas más que se han quedado fuera por poco son un buen ejemplo de que las ha habido. Pero la sensación que le queda a uno es que este 2010 ha sido un año falto de sorpresas, esas que suelen venir de la mano de jóvenes directores que con saben aportar sabia nueva a un medio cada vez más anquilosado, incapaz de contar nuevas historias, de ofrecer miradas distintas, refrescantes e imaginativas, necesarias ahora más que nunca.

Si buscamos culpables hay que señalar, sobre todo, a las productoras porque son las que ponen la pasta y que, desde hace ya tiempo, actúan con la idea clara y fija de no querer asumir riesgos (porque suelen traer consigo pérdidas económicas y, no lo olvidemos, ante todo, el cine es un negocio).

Pero tampoco los directores consagrados, aquellos que se supone que tienen más margen para realizar proyecos más personales, han ofrecido mucho a lo que aferrarse; Scorsese quedó en un quiero y no puedo con la fallida “Shutter Island”; la película funciona y resulta muy interesante en la mayor parte de su metraje... Pero todo se viene abajo cuando llega a su parte final, desvelando un secreto que acaba siendo un truco de feria, una broma pesada que cuesta digerir, echando por tierra lo que podría haber sido una muy buena película, en la que era la primera aproximación del director de “Taxi Driver” al género del suspense con toques de terror.

Menos mal que también salgo en "Origen"

Lo mismo puede decirse de un Roman Polansky que ha gustado mucho con su “Ghost Writer”, entusiasmo que no comparto pese a que, desde luego, la película tiene elementos interesantes.

Coincido en que Polansky ha sabido crear un espacio reducido al margen del mundo exterior, situando en él a unos personajes con unos conflictos que se van mostrando de forma gradual, manteniendo en todo momento el interés del espectador. Pero tan cierto como esto es que la película no va más allá de eso; no queda un buen poso al que aferrarse, algo que suscite a la reflexión, a varios visionados. Y esto es así porque le falta fuerza; fuerza a la historia que nos cuentan pero también a su protagonista, un Ewan McGregor que parece no creerse a su personaje, siendo incapaz por tanto, de transmitir el verdadero sentir de un escritor que se ve envuelto en una red de mentiras con tintes conspiranoicos.

Blocbuster

Tampoco ha sido un buen verano para las grandes superproducciones típicas de la época estival. “Prince of Persia” suponía la enésima adaptación fallida de un videojuego y, como película, es un subproducto olvidable inmediatamente después de su visionado.

“Iron Man 2” fue más de lo mismo pero ya sin la frescura del original. Y hablando del carismático Robert Downey Jr, el Sherlock Holmes que interpretó a las órdenes de Guy Ritchie no pasó de ser una entretenida puesta al día de un personaje que ha sido llevado otras veces con bastante más acierto... frente a esta propuesta que parece un especial de la serie “House” trasladado a la Inglaterra del XIX.

La escepción fue una sorpresiva 1ªparte de "Harry Potter: Las reliquizas de la muerte" y hablo de sorpresa porque a estas alturas, y después de lo ridícula que fue "El Prínicpe mestizo" ninguno dábamos un duro por su director David Yates. Pero contra todo pronóstico, Yates firma la película más adulta y seria de la saga, con momentos muy conseguidos, creando una atmósfera de incertidumbre, cuando no de cierta desolación que va apoderándose cada vez más de los personajes y, por ende, de nosotros. Lo mejor parece que nos lo reservan para la segunda parte, tras un final lógiamente abierto y que deja con la miel en los labios.

Así me quedo hasta el verano que viene, ¡que cruz!

Animación

El éxito de crítica y público de Toy Story 3 apuntilla algo que se ha podido observar en los últimos años; la animación es cada vez más un filón dentro del cine, un género que no para de crecer, de ganar adeptos y de alejarse, definitivamente, de esa imagen de producto destinado únicamente al público infantil, merced a exitosas sagas como “Shrek” o “Ice Age”y, como no, al portentoso trabajo de Pixar.

Aparte de la ya mencionada “Fantastic Mr. Fox”, hemos podido disfrutar de la estupenda “Cómo entrenar a tu dragón”, un intento de Dream Works por aunar éxito y calidad en el mismo producto, algo que han conseguido con creces (ojala sigan por esa senda y sean capaces de lograr algo que lleva haciendo Pixar desde el primer momento).

En los últimos meses coincidieron en cartel dos propuestas muy parecidas “Gru: mi villano favorito” y “Megamind”; Aunque ambas garantizan el entretenimiento me quedó con la segunda más adulta y atrevida.

Y no puedo olvidarme de lo curioso que fue ver en cine “Nausicaa del valle del viento”. Y hablo de curiosidad porque no es habitual que se estrene en cines una película dirigida en 1984 por el genial Hayao Miyazaki, autor de maravillas como “La princesa Monoke” o una de mis películas preferidas, esa obra maestra que responde el nombre de “EL viaje de Chihiro”. Cierto es que “Nausicaa…” es una gran película y que no llegó a estrenarse en los cines de nuestro país, pero no deja de resultar curioso que pare ver buen cine haya que recurrir a películas de hace décadas.

Este es el camino a seguir, volando alto, asuminedo riesgos, haciendo buen cine

Documentales

El documental se ha convertido por méritos propios en todo un referente de calidad por haber sabido aunar, con gran acierto, a la parte divulgativa y de investigación que se le supone, una narración y puesta en escena mucho más próximas al cine de ficción.

Michael Moore volvió a la carga con “Capitalismo: una historia de amor” mostrando su ya habitual estilo no exento de sesgo y demagogia pero tampoco falto de una agudeza y un tono incisivo. Con su típica actitud tan impertinente como necesaria Moore nos da un toque de atencióna a todos nostros, para que no olvidemos en ningún que vivimos merced a un poder coercitivo, cada vez más despiadado y siniestro (con el rostro, ahora más que nunca, de los bancos y las multinacionales privadas)

La nota ecologista (tan necesaria de reivindicarse como en el caso anterior) la dieron “Océanos” y “The Cove”. La primera se sirve de la gran belleza del mundo marino para recordarnos que la naturaleza es nuestro mayor tesoro y es algo por lo que merece la pena luchar; la segunda, en cambio, apuesta por mostrar unas imágenes duras (la matanza de delfines en Japón) pero que no dejan de ser una realidad contra la que uno no puede, cuanto menos, revolverse.

El último apunte en el género documental es para “Exit throught to gift shop” del artista grafitero Banksy, y que supone una divertida y certera reflexión sobre el estado actual del arte, haciéndose(nos) preguntas tan pertinentes como: qué entendemos por arte, o si cualquiera puede hacerlo.

Soy lo que se dice un tipo tímido: cuando no llevo la capucha, me pongo la máscara de mono

La esperanza es lo último...

Poco más que añadir, el cine español sigue, salvo alguna espceción como la de "Enterrado", en estado comatoso porque, si "Los ojos de Julia" o la reciente "Tres metros sobre el cielo" es a lo que tenemos que aferrarnos, mal vamos amigos. Y que conste que me apena mucho ver el momento tan lamentable que atraviesa nuestro cine. El año nuevo comienza con "También la lluvia" de Iciar Bollaín; esperemos que la película sea tan buena como aparenta y resulte ser un buen primer paso para un 2011 en el que el cine debe (necesita) reivindicarse como el gran arte (y entretenimineto y negocio y etc.) que es.

Despedida

Pues esto es todo amigos, agradeceros a todos aquellos que hayáis llegado hasta el final. Espero que el repaso a todo un año de cine haya sido lo más interesante y ameno posible. Se trata de una lista personal y subjetiva y, por ello, habrá quienes no estéis de acuerdo con algunas de las películas comentadas (así como tampoco lo estéis de las observaciones hechas sobre las mismas) pero espero también que, si no habéis visto algunas, mis palabras os hayan animado a hacerlo, esa es la mejor recompensa que uno puede tener (además, por su puesto, de que lo lean).

Un saludo a todos, espero que veáis mucho cine y que vosotros también me recomendéis. Hasta pronto.

Las 10 mejores películas de 2010 (V)

2011-01-15T00:29:00.005+01:00

1. Toy Story 3

En 1995, y tras varios años experimentando con el corto, Pixar estrenaba 'Toy Story', la primera película en la historia del cine hecha íntegramente por ordenador. El film, pese a ser el primero, sentaba ya las bases de lo que sería un una nueva forma de entender la animación y, por extensión, una nueva forma de entender el cine que fue consolidándose a medida que aumentaba la filmografía del estudio, con títulos extraordinarios tales como 'Los Increibles' o 'Wall-E'.

Con 'Toy Story 3' se cierra el círculo, una etapa que comenzó con una primera entrega rebosarte de ingenio y diversión , continuando con una secuela aún más divertida y, finalmente, concluyendo con una tercera entrega que demuestra que el estudio liderado por el genial John Lasseter no ha parado de crecer, alcanzado con los años la sabiduría propia de la madurez.

Y es gracias a ese bagaje (diez películas y más de veinte cortos) que esta tercera entrega llega más lejos que ninguna otra hasta la fecha, porque consigue divertir como la mayoría pero emociona como niguna lo habia hecho hasta ahora, si quiera 'Wall-E' o 'Up'. Y esto es así porque 'Toy Story 3' es, entre otras cosas, un espejo en el que pude verse reflejada toda una generación de espectadores que, como el propio Andy, ha crecido, dejando tras de sí los pequeños y titubeantes pasos que todos damos en la niñez.

Te contaré algo...

Si por algo se caracterizaban las dos primeras 'Toy Story' era por su capacidad para abordar sin tapujos aspectos vitales para todos nostros; entender quiénes somos, asumir nuestro papel en la vida, la vejez, la importancia de la amistad... Eran temas tratados de forma natural, con honestidad y sin moralinas aleccionadoras de ningún tipo.

En esta ocasión son el paso de la vida, el crecimiento personal y la madurez que ello conlleva los temas que se tratan. Y se hace con genuina nostalgia, mostrando que eso de "hacerse adulto", de dejar atrás todas aquellas vivencias que han conformado nuestro "yo" presente y relegarlas a simples recuerdos, no es fácil. No lo es porque a las personas nos cuesta entender que estamos de paso, que nada dura siempre y que lo material tiene una importancia muy relativa; nos cuesta desprendernos de las cosas y nos dan miedo los cambios.

Por eso nos cuesta tanto pasar pagina, porque pensamos en negativo, creyendo que todo lo que venga después de un largo periodo va a ser malo para nosotros... Es entonces cuando se hace necesario entender que el final de un capítulo supone el principio de otro y que vaciamos el equipaje de nuestra maleta para volver a llenarla con nuevas sensaciones, nuevas experiencias. De eso habla 'Toy Story 3', de asumir riesgos, de luchar por aquello en lo que crees, de no aferrate al pasado, de vivir el presente, no con incertidumbre, sino con espectación y entusiasmo. Y es en estas sentidas palabras donde radica la verdadera grandeza de una obra de arte que cala muy hondo y que, por supuesto, divierte y mucho.

Y es que ver 'Toy Story 3' supone disfrutar de un auténtico festín de escenas que gozan de un ritmo, un sentido del humor y una imaginación desbordantes (las escenas de Ken y Barbie son para enmarcar). Eso por no hablar de una galería de personajes rebosantes de carisma, liderados como siempre por esa gran pareja que son Woody Y Buzz y, a los que hay que sumar dos novedades de peso; la primera es Lostzo que, bajo la apariencia de tierno oso abracitos con olor a frambuesa, se esconde uno de los mejores villanos que ha dado el cine más reciente. El otro nombre propio es el del ya mencionado Ken, con su estilo "estiloso"…

Grandes momentos

Las grandes películas son aquellas que poseen escenas que, por el motivo que sea, se quedan grabadas a fuego en nuestras retinas, volviendo a la vida en forma de recuerdo, en esas conversaciones, con unas cañas de por medio, entre aficionados al cine. Como no podía ser menos, 'Toy Story 3' posee, entre sus numerosos momentos de lucimiento y genialidad, dos que se quedarán grabados en la memoria de muchos espectadores, inmortalizados por tanto, en la historia del cine.

El primero de ellos es la escena en la que nuestros queridos personajes sienten , despues de una escena trepidante, que ha llegado su hora. Es entonces cuando se buscan (en lo que supone un climáx colosal), primero con la mirada, después tendiéndose la mano, con miedo pero también con la sensación de que ocurra lo que ocurra, nadie morirá solo, lo harán rodeados de sus seres queridos.

La otra emotiva y simbólica escena es la de Andy dándole el juguete de Woody a una niña pequeña, "cediéndole el testigo" con un sentimiento de: "ahora te toca a ti vivir grandes aventuras con ellos", acepatando por tanto el hecho de que las cosas que vengan a partir de ahora podrán ser mejor o peor, pero lo que es seguro es que nunca volveran a ser iguales; Esto es crecer, esto es madurar...

Y es entonces cuando, acabada la película, pienso, emocionado, en mi propia vida; en mi infancia y en mi adolescencia y en lo que he dajado atrás para convertirme en la persona que soy ahora... Acto seguido me surge la idea y el sentimiento de que todos hemos sido y seguimos siendo Andy. Por eso "Toy Story 3" no es una gran película sino una obra maestra, porque no habla de jueguetes; por encima de todo, habla de nosotros y de la vida como una gran aventura que nadie debe perderse... Y lo hace con cariño y respeto, y también con sabiduría e inteligencia. Sin duda, la mejor película del año.

Las 10 mejores películas de 2010 (IV)

2011-01-09T18:42:00.006+01:00

2. Inception (Origen)

Hay quienes todavía dudan, a estas alturas, del enorme talento de Christopher Nolan para esto que llamamos cine. No importa. El director británico sigue a lo suyo demostrando, película a película, que se pueden dirigir Blockbusters de enorme calidad sin tratar al espectador como a un niño pequeño al que hay que darle todo comido y mascado. Pero es que además, el director de 'Memento' se plantea cada película como un reto personal, buscando superarse con cada nuevo trabajo, abriendo nuevos horizontes que susciten preguntas en el espectador, convirtiéndolo en un elemento mucho más activo de lo habitual; El cine de Nolan no solo se ve, también se siente y, desde luego, se piensa.

Cuando el director británico anunció hace un par de años que su próximo proyecto, tras la magistral 'The Dark Knight', trataría: “sobre la arquitectura de la mente humana” quedaba claro que, lejos de acomodarse, Nolan iba a cotinuar con su visión personal de un cine poco convencional y que tiene en el ser humano -en los conflictos existenciales que éste padece,- su foco de atención. En este sentido, que la película tuviese como premisa el mundo de los sueños, no hacía sino aumentar más el interés y unas espectativas que, al menos para mí, sí se han cumplido.

Al contrario de lo que pueda parecer por lo dicho hasta ahora, la historia de 'Origen' (Inception') es bastante simple; Dom Cobb (Leonardo Di Caprio) es un padre que se ha visto obligado, por las circunstancias, a tener que alejarse de sus hijos. En un momento dado le ofrecen la posibilidad de recuperarlos, siempre y cuando acepte un trabajo.

Y es la naturaleza de este trabajo la que da pie a una película única, con una puesta en escena colosal, que sabe mantener el interés en todo momento gracias a su gran ritmo narrativo y que culmina en una recta final apasionante, mostrando algunas escenas memorables (aquellas del hotel, con la ingravidez, protagonizadas por Joseph Gordon-Levit). Todo ello bajo la atenta mirada de un Nolan que además, firma un libreto que supone un juego constante para el espectador, que termina por preguntarse qué es realidad y que son sueños... En mi opinión, nada de esto importa; que el totem se detenga o siga girando es lo de menos. Tan solo hay que dejarse llevar; cerrar los ojos y empezar a soñar. Fascinante.

3. 'Un Profeta'

Cuando uno repasa la breve pero intensa filmografía del director francés Jacques Audiar, se da cuenta del gusto del cineasta por personajes que caminan al filo de la navaja. Los protagonistas de sus películas tratan de mostrar cierta dignidad y decencia pero, al mimso tiempo, parecen tener un imán para atrer los problemas y acaban, irremediablemente, envueltos en situaciones adversas que no dan mucho margen para tratar de hacer las cosas de otro modo que no sea por el de la violencia.

En 'Un Profeta' ('Un prophète') es el joven Malik El Djebena (interpretado con enorme naturalidad y desparpajo por el debutante Tahar Rahin) quien se ve obligado a realizar un encargo bastante comprometido al poco de llegar a prisión (donde debe cumplir seis años de condena por robo). La intención de Malik era, hasta ese momento, la de no meterse en líos... Pero la cárcel es un mundo con sus propias reglas, no quedándole al protagonnsta más remedio que adaptarse a ellas si quiere seguir adelante.

En los útlimos años el cine francés se ha prodigado mucho (quizás demasiado) en la comedia. Por eso resulta tan gratificante encontrarse con un filme que, desde ya, es un clásico dentro del género criminal. Y lo es gracias al difícil equilibrio que logra entre el realismo más crudo y exacerbado y algunas concesiones al cine de acción moderno y que nos recuerda por momentos al mejor Tarantino (inmensa la escena del tiroteo dentro del coche en el que va el cabecilla de una organización criminal). De obligado visionado.

Las mejores películas del 2010 (III)

2011-01-04T13:30:00.006+01:00

4. 'Fantastico Sr. Fox'

Han pasado algo más de seis años desde que vi por primera vez 'Los Tenembaum', película del genial Wes Anderson. Este filme resume a la perfección las constantes vitales de un director especialmente interesado en retratar a familias disfuncionales, cargando las tintas sobre todo, en las relaciones paterno filiares; siempre difíciles, pero con margen para la reconciliación. De esta forma, tenemos a padres ausentes (física y/o emocionalmente) y a unos hijos faltos de cariño que tratan de llamar la atención de sus progenitores a través de comportamientos de lo más extraños (y divertidos) y que dan pie a situaciones hilarantes.

Y eso es justamente 'Fantastico Sr. Fox' ('Fantastic Mr. Fox') con el añadido de que aquí además, se nos presenta todo en forma de un precioso cuento (lo es por su estética, gracias a la técnica del Stop Motion y también por el uso del color).

El relato nos pone en la piel del Señor Fox (George Clooney), un avezado y elegante ladrón de gallinas que tiene como compañera de aventuras a su querida esposa la Señera Fox (Meryl Streep). Todo cambia cuando ésta queda embarazada, obligando al futuro padre de familia a tener que llevar una vida más apacible y alejada del peligro, trabajando como columnista para un periódico local. Pero la cabra tira al monte y pronto nuestro protagonista sentirá la llamada de la naturaleza; un zorro es un zorro y lo natural es que cace. Lógicamente esta decisión le va a acarrear problemas pero no solo a él, también a su familia y a sus vecinos.

La película es una auténtica gozada a todos los niveles y transmite una agradable sensación de armonía, "de buen rollo" gracias a unos personajes entrañables, a unas canciones alegres y a una historia tratada con el humor tan característico y peculiar de su director. Hay momentos para reir y otros en los que emocionarse… Es una maravilla que, para quien esto escribe, debería haberse llevado el Oscar de mejor película de animación de 2009, en vez de 'Up' (las razones las daré en otra ocasión).

'Fantástico Sr. Fox' es el mejor remedio contra la tristeza o el aburrimiento pero, ante todo, es una estupenda película y con ese "algo" que la hace única... y merecedora de estar en esta lista, ocupando un puesto tan alto.

5. 'La Red Social'

La última película del casi siempre genial David Fincher se ha convertido por méritos propios en una de las favoritas de cara a los próximos Oscar. Razones no le faltan y es que, a un guión escrito con ingenio y agudeza por Aaron Sorkin, hay que sumar un reparto de jóvenes actores muy acertados en sus roles (mención especial para Jesse Eisenberg como Mark Zuckerberg, creador del Facebook), amén de una dirección que aporta la contención y sobriedad necesarias para dar un aire de verosimilitud al conjunto.

La película ha recibido algunas críticas por no ir más allá de la figura de su creador y mostrar el alcance real del fenómeno social en el que se ha convertido Facebook, cosa que entiendo pero no comparto porque no creo que la película aspire a eso.

El guión de Sorkin tiene como base el libro de Ben Mezrich 'Multimillonarios por accidente' y es justamente eso lo que se busca; retratar a un joven extremadamente inteligente que, en un momento de desengaño amoroso, busca vengarse de la novia que acaba de romper con él y es entonces cuando, sin pretenderlo, da lo primeros pasos para crear lo que será a la postre la mayor red social del mundo.

Pero el filme no se queda en lo anecdótico, yendo más allá, mostrando las inseguridades de un personaje que actúa en cada momento, no por ambición (como apuntan erróneamente algunos espectadores por estar la traición de por medio), sino por un enorme vació emocional, por una sensación de soledad que esta siempre presente, acompañando al protagonista... Por un deseo íntimo de sentirse aceptado y querido por el resto de la sociedad. Eso es lo que se propone contar 'La Red Social' y lo hace francamente bien.

2010-12-30T16:54:00.019+01:00

Las mejores películas de 2010 (II)

2010-12-28T21:47:00.029+01:00

6. 'La cinta blanca'

Aunque debutó a finales de los ochenta, no fue hasta 1997 cuando el cine del director alemán Michael Haneke alcanzó repercusión internacional. Y lo hizo gracias a 'Funny Games', película difícil de digerir; no solo por su explícita violencia, también por la aterradora relfexión que surge tras su visionado y que nos remite a aquello de que "La realidad puede superar la ficción".

Desde su primer trabajo en 'El séptimo continente' Haneke, fiel a su discurso, ha ido tejiendo un gran mosaico que tiene como tema recurrente al ser humano, urgando en su alma, mostrando su naturaleza inequívocamente violenta, retratado siempre desde una visión pesimista. Todos estos aspectos están presentes en “La cinta blanca” pero, a diferencia de anteriores trabajos, aquí se muestran con mayor claridad y concisión, mostrando de forma precisa la perversión y maldad humanas, sin necesidad de tener que recurrir tan a menudo un lenguaje simbólico, plagado de metáforas, ni a imágenes truculentas (lo que no significa, en ningún caso, que no las haya).

En cuanto al argumento, la acción transcurre en un pequeño pueblo protestante de la Alemania de 1913 (en las postrimerías de la 1ª Guerra Mundial) y da comienzo con lo que parece ser un accidente a caballo que sufre el médico del pueblo. Después se descubre que lo ocurrido no es casual sino algo intencionado... Y es apartir de entonces cuando empiezan a sucederse una serie de episodios inexplicables, que van alterando la vida de lo que había sido, hasta ese momento, un lugar tranquilo y apacible (al menos en apariencia).

Rodada en blanco y negro y con una fotografía soberbia, Haneke plasma, plano a plano, un lienzo de aparente costumbrismo que encierra en su interior terribles secretos. Es la falsa moral de una sociedad marcada con el hierro de una religión perversa, que parece justificarlo todo con la oración como muestra de (un falso) arrepentimiento. Es el pecado que los padres transmiten a sus hijos, mediante esa cinta blanca, anudada al brazo y que simboliza los abusos y la oscura personalidad de aquellos que representan la autoridad (social y moral)... Es, en suma, una mentalidad que conforma un modo de actuar y que se vale de unos mecanismos de poder que asumirán una generación cuya ideología hará tambalear los cimientos de la Europa de la primera mitad del siglo XX. Película imprescindible y lo mejor, con mucho, de un director interesante aunque algo sobrevalorado.

7. 'Enterrado'

En 2007 Rodrigo Cortés se presentaba al mundo con su ópera prima, la estimulante (y frenética) 'Concursante'. A través del personaje que encarnaba Leonardo Sbaraglia, Cortés dibujaba una sociedad donde los hombres éramos presa fácil para los bancos, auténticos amos y señores de ese entramado económico, político y social que rige nuestras vidas y que responde al nombre de Capitalismo. Aunque el montaje era muy acelerado (o quizás precisamente por eso) la película se disfrutaba de lo lindo, resultando ser además una bofetada para nuestras acomodadas y algo aletargadas conciencias.

Para su segundo largo, el director de origen gallego parte de un guión ajeno (firmado por Crhis Sparling) y con la presencia de Ryan Reynolds (que sorprende a propios y extraños demostrando que no solo sabe actuar, sino que además sabe hacerlo bien). Y con estos escasos pero valiosos ingredientes, Cortés da una lección de inteligencia (y de cine) demostrando aquello de que con talento, el menos puede ser más. Y es que resulta elogiable la capacidad del cineasta para componer una película con tan pocos recursos, cediendo eso sí, todo el peso del filme a las espaldas de un actor que sabe transmitir, en todo momento, los estados de ánimo que atraviesa su personaje, sin caer en la exageración. Un ejercicio de contención para una historia que, más allá de la evidente denuncia social, es deudora del cine de Alfred Hitchcock (del que Cortés se declara incondicional). Es puro thriller. Y lo es porque la película te mantiene atrapado hasta un final nada complaciente, que redondea un trabajo arriesgado y por ello valiente, pero sobre todo, de calidad. Un espejo en el que debería mirarse la actual industria del cine español.

Las mejores películas de 2010 (I)

2010-12-28T15:46:00.015+01:00

Prólogo

Creo que la mejor forma de empezar este repaso a lo que ha dado de sí el 2010 es dejando las cosas claras desde el principio; ha sido un mal año para el cine. Basta comparar, más allá de que se esté o no de acuerdo con mi lista, a las diez mejores películas de 2008 con las presentes para entender por qué algunos acogeremos con los brazos abiertos el nuevo año que asoma ya la patita, con el expreso deseo de que la cosecha de 2011 sea mucho mejor que la del año anterior, algo que, al menos en principio, debería ser relativamente fácil (aunque por si acaso, mejor cruzar los dedos).

En este orden de cosas, podéis imaginaros que la elección no haya sido precisamente un quebradero de cabeza. No he tenido que hacer una gran criba, es mas, apenas he tenido que hacer memoria porque tenía bastante claro cuáles eran las películas con las que más había disfrutado desde que, en el ya lejano Actual 2010, viera la estupenda e inquietante 'La cinta blanca'.

Sin más, os dejo con "las elegidas", a ver que os parecen...

8. 'En tierra hostil'

Con la potente frase “La Guerra es una droga” arrancaba una de las películas más adrenalíticas del año. Una frase que resultaba ser toda una declaración de principios. Y es que, al contrario que la mayoría de trabajos que han tratado la invasión norteamericana en Irak o Afganistán, la película de Kathryn Bigelow no pretende aleccionar, dando discursos o explayándose en tesis sobre la moralidad de la guerra, no. Aquí lo que importa es la figura del soldado, no como una herramienta disuasoria o represiva al servicio del imperialismo sino como un animal salvaje cuyo hábitat natural es el campo de batalla, que es donde se siente realmente vivo.

Jeremy Renner da vida al Sargento William James, soldado artificiero especialista en desactivar bombas. La sensación de peligro es una constante que parece no preocupar en exceso al protagonista. Todo lo contrario nos sucede a nosotros como espectadores, con los nervios de punta gracias a que cada escena va perfectamente acompañada de un sonido atronador, un montaje excelente y una dirección firme e inteligente que fue recompensada con un Oscar (de un total de seis) para su directora (un hito, era la primera vez que lo ganaba una mujer en esta categoría).

Con todo, la película cojea ligeramente en los (necesarios) momentos de calma, aquellos que sirven para darnos un respiro pero donde también se intenta, sin mucho éxito, mostrar el mundo interior de unos soldados que ofrecen su mejor cara cuando se encuentran inmersos en el combate.

Personalmente, y volviendo al apunte de los premios, me gustó más 'Inglorius Basterds', película con la que compitió en la pasada edición de los Oscar, pero no se puede negar, en nigún caso, la destreza de la directora de 'Le llaman Bodhi' o 'Días extraños' a la hora de filmar escenas de acción, creando personajes que viven al límte, que hacen del riesgo su modo de vida.

9. 'Two Lovers'

En 2009 Joaquin Phoenix anunciaba que dejaba la interpretación para dedicarse al mundo del rap. A partir de entonces el actor se dedicó a llevar una vida, al menos en apariencia, llena de excesos, que parecían conducirle a una progresiva desintegración, personal y también profesional.

Aunque parece que al final todo era una pose, un plan urdido por él y su amigo Casey Affleck y que veremos en el (falso) documental 'I´m still here' lo cierto es que, la notable película que nos ocupa parecía ser el último aliento de un actor que todavía tiene mucho que decir.

Después de la estupenda 'La noche es nuestra' -también protagonizada por Phoenix-, James Gray dirige la que es, hasta la fecha, su última película. Y lo hace cediendo todo el protagonismo a su trío protagonista porque, por encima de todo, 'Two Lovers' es una película de personajes. A Phoenix le acompañan una sorprendente (dadas sus limitaciones) Gwyneth Paltrow y una poco conocida pero muy correcta Vanessa Shaw; son lo mejor del filme al conformar, cada uno a su manera, un muestrario de personalidades opuestas, a veces convulsas, y que despliegan un abanico de actitudes que tienden a la autodestrucción, porque quieren amar pero acaban sufriendo; el amor es caprichoso y a veces te enamoras, inevitablemente, de quien no debes.

10. 'Invictus'

Tomando como punto de partida 'El factor humano' del escritor y periodista británico John Carling, mi querido y admirado Clint Eastwood compone un mirada humana sobre la figura de Nelson Mandela, magníficamente interpretada por otro grande; Morgan Freeman.

El filme nos cuenta el sueño de un hombre que, pese a sufrir como nadie la barbarie del racismo a través del aparheid, fue capaz de reconciliar a negros y blancos bajo una misma bandera y un himno que reflejaban la dualidad de un país que, con tiempo y esfuerzo común, podía llegar a entenderse y ser uno, respetando la identidad de todos sus ciudadanos. Para tal fin, Mandela se sirvió del Mundial de Rugby celebrado en Sudáfrica en 1995, contando además con la inestimable ayuda de François Piennar (un muy correcto Matt Damon), capitán de la selección del país; negros y blancos unidos por un deporte, por una selección, por un país.

La película, como no podía ser de otra manera, esta filmada con elegancia y destila ese aroma a clásico tan careacterístico del director de 'Million Dollar Baby' o 'Mistic River'. Y, aunque no es una trabajo redondo, sí deja algunas escenas remarcables como la de la visita a la cárcel donde estuvo preso Mandela; aquella que narra la victoria final del equipo sudafricano o, esas emotivas palabras finales del entonces presidente de Sudáfrica y que reflejan el espíritu combativo de un hombre que jamás se rindió, dejando atrás el odio, tendiendo la mano a sus opresores, con una sonrisa. Detrás del gesto, la esperanza de que un mundo mejor es posible, si todos ponemos de nuestra parte.

'La Red Social', rupturas, paradojas y obsesiones

2010-10-21T20:08:00.021+02:00

El pasado viernes 15 de octubre se estrenaban en nuestras pantallas La Red Social (The Social Network), la última película de David Fincher. Debo admitir que, pese a que Fincher se ha ganado a pulso mi confianza y admiración, lo cierto es que guardaba cierto escepticismo sobre esta película porque no dejaba de resultar extraño, al menos sobre el papel, hacer un film sobre Facebook, la mayor red social del mundo. Pero si por algo se ha sabido caracterizar el director de Seven o Zodiac, es por ser un buen cronista -y también narrador-, de la sociedad norteamericana que le ha tocado vivir.

Un ejemplo de ello es El Club de la Lucha donde ponía el dedo en la yaga de una sociedad enferma, atiborrada de opulencia y completamente castrada bajo la falsa -y en el fondo vacua-, comodidad que ofrecen los bienes materiales. De igual manera, en La Red Social Fincher, con la inestimable colaboración de un inspiradísimo Aaron Sorkin en las labores de guionista, pone de relieve el flaco favor que nos estamos haciendo regalando a perfectos desconocidos uno de nuestros bienes más valiosos, nuestra intimidad.
En este sentido, parece que si no hacemos partícipes a los demás de todas las cosas que hacemos, estas carecen de sentido, de relevancia (cuando en realidad sí que la tienen, al menos para nosotros, que es lo que importa). Resulta entonces que, la mejor forma de ser social, de estar abierto a los demás, es a través de un ordenador, en la soledad de nuestra habitación, toda una paradoja.

Es en este contexto donde tiene perfecta cabida la esencia misma de la película que no deja de ser un muestrario de situaciones cotidianas (dentro de lo extraordinario que pueda resultar la creación de algo de la envergadura de Facebook) que evidencian la necesidad vital que tenemos las personas de sentirnos socialmente aceptados, de formar parte de algo más que solo nosotros mismos. Somos individuos, sí, pero siempre hemos vivido en grupo porque somos animales sociales y, como tales, necesitamos de un "rebaño" para hacernos sentir “verdaderas ovejas” (que conste que no lo digo en términos peyorativos, de alienamiento, aunque también sería aplicable siendo nuestro pastor un sistema establecido que sabe de qué medios servirse -internet sin ir más lejos- para llevarnos al redil).

Todos estos aspectos están perfectamente subrayados en las dos horas que dura el filme y lo cierto es que terminado el mismo, lo que queda es el convencimiento personal de que para Fincher y Sorkin lo más importante era mostrarnos las paradojas que tiene la vida y también las que tenemos las personas, siendo Mark Zuckerberg -creador de Facebook y protagonista de la película-, el mejor exponente de todas ellas.

Mark Zuckerberg, el genio antisocial

Zuckerberg (interpretado con gran acierto por Jesse Eisenmberg), es una de las personas más inteligentes que uno pueda imaginarse. Es un genio, con todas las de la ley y, como tal, hace gala de una gran inteligencia e ingenio pero también de un sentimiento de superioridad sobre el resto de común mortales que pone de manifiesto cada vez que tiene oportunidad. No solo es cada réplica aguda y mordaz que suelta, con insultante facilidad, en las reuniones que mantienen sus abogados con los de las partes demandantes, no. Es cada acción, cada gesto, cada mirada… todo lo que piensa y también lo que hace parece situarlo a otro plano distinto del nuestro; no es que se evada del mundo real, sino que una parte de él se encuentra entre nosotros y la otra, la creativa, está en uno propio, un mundo de ideas que se van gestando, que se ponen en escrito en una pizarra imaginaria y que empiezan a desarrollarse en cadena, cada vez con más eslabones, no dejando claro donde está el final, si es que lo hay.

Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) en pleno litigio por la propiedad de Facebook

Pero no es oro todo lo que reluce, y si bien es cierto que Zuckenberg despierta nuestra admiración y simpatía por su brillantez también lo es que uno no puede dejar de sentir cierta lastima porque, en el fondo, pese a ser el mayor millonario más joven el mundo, es un completo infeliz. Y lo es porque es incapaz de sentir empatía por los demás, incapaz de entender sus sentimientos y, lo que es peor, sin entender del todo los suyos propios. El ejemplo más evidente lo constituye el devenir de la relación con su mejor (y único) amigo, Eduardo Saverin (estupendo Andrew Garfield) al que acaba traicionando. Pero -y es en este punto donde podemos llegar a comprender mejor la personalidad de Zuckerberg-, más que por codicia, parece hacerlo por un deseo irrefrenable (obsesivo) por querer hacer algo que le valga la admiración y respeto de cuanta más gente mejor. Y es precisamente en esta búsqueda donde acaba perdiendo al único amigo que tenía....Toda una paradoja que el creador de la red social más grande del mundo este completamente solo por su carácter antisocial.

Todo empezó en un bar…

Ya desde la escena inicial comprobamos la dificultad de Zuckerberg para relacionarse con las personas, más si cabe con el sexo opuesto. Dicha escena es toda una declaración de principios, la primera pincelada (con brocha gorda eso sí) sobre un lienzo en el que director y guionista dibujan a lo largo del filme una personalidad portentosa pero también frágil, completamente lastrada por sus obsesiones, auténtico motor de sus actos.

Todo comienza en un bar, con la ruptura de nuestro protagonista con su novia, Erica Albright (Rooney Mara), quizás la única chica que había sido capaz de comprenderle (y la única de toda la galería de personajes capaz de ponerle en su sitio). Pero la comprensión no implica compromiso y menos aún, paciencia infinita. Y Erica se acaba cansando, poniendo fin a la relación.
Se marcha dejando a Robert completamente solo, pensativo, quizás intentando asimilar la ruptura o quizás preguntándose cómo reaccionaría una persona normal ante esa situación. A los pocos segundos él también se marcha y las dos cervezas se quedan a medias.

Acto seguido, en un ambiente cargado de alcohol, y a modo de juego (con sus buenas dosis de despecho y venganza), Zuckerberg da el primer paso de lo que terminará por convertirse en todo un fenómeno de masas, con más de quinientos millones de usuarios registrados en todo el mundo y también en una gran empresa, valorada en más de veinticinco mil millones de dólares. En medio, hay un camino emprendido y que no deja de ser un intento por rellenar un vacío emocional cada vez más agudo.

Zuckerberg con Saverin y otros compañeros de Harvard en pleno proceso creativo

Rupturas
En la película hay tres rupturas; las ya mencionadas con Erica y con Saverin y una tercera que aunque no vemos a simple vista es quizás la más dolorosa (o al menos influyente) y que explica por qué Zuckerberg se comporta del modo en que lo hace; Parece que rompió hace mucho con la sociedad o quizás fue esta la que lo hizo con él o puede que no hubiera ruptura porque nunca hubo una relación (al menos convencional)…Sea como fuere lo cierto es que todo lo que hace Zuckerberg es en pos de sentirse aceptado y querido por los demás, porque debajo de esa capa de intelecto superior se esconde una persona insegura, que aspira a ser popular y querida y es por eso por lo que se deja seducir tan fácilmente por Sean Parker (todo un acierto la elección de Justin Timberlake), un auténtico vividor, un tipo engreído y con mucha labia… ese encantador de serpientes que ve la oportunidad de sacar tajada de lo que Zuckerberg y Saverin tienen entre manos y desde luego, no la desaprovecha.

Sean Parker representa todo lo que Zuckerberg anhela ser; un tipo "cool", querido y admirado por todos

Entonces…

Me gustaría hacer una aclaración que considero oportuna por todo lo escrito anteriormente; Los hechos narrados en la película están basados en el libro de Ben Mezrich “Multimillonarios por accidente”, por tanto, uno no deja de tener una visión parcial e incompleta de todo lo que realmente pudo acontecer en torno a la creación de Facebook pero sobre todo, en lo concerniente a sus protagonistas que son, con sus acciones y actitudes, lo más importante de esta historia. Por tanto, no se si me estoy pillando los dedos cuando hablo de Robert Zuckenberg como un joven con grandes dificultades para relacionarse con los demás, completamente infeliz. Los números no mienten y las cifras están ahí; Zuckenberg creó algo extraordinario (al menos en cuanto a repercusión y calado social) y su cuenta bancaria debe de ser un verdadero escándalo. Eso está claro. Pero, como todo buen genio, es probable que el retrato dado en lapelícula no se aleje en exceso de la realidad y que, efectivamente, sea una persona con dificultades para relacionarse con las demás, al menos a nivel afectivo (supongo que no será así a nivel profesional dado que su palabra será ley, como el amo y señor que de un gran imperio es). En cualquier caso, Fincher y Sorkin no son tontos y nos advierten, casi al final, que cuando alguien dice algo malo de otro un 80% son exageraciones y el 20% restante son injurias…

Con todo, y ya para terminar, creo que en un año tan mediocre para el cine como esta siendo 2010, La Red Social se erige como una de las mejores y más estimulantes películas del año. La narración es ágil gracias a un montaje trepidante (que no acelerado, algo que se confunde muchas veces). Fincher sabe dotar al conjunto de mucho empaque, gracias a su mano firme a la hora de filmar (le avalan años de experiencia y estupendas películas en el bolsillo, algunas auténticas obras maestras).

Sorkin, por su parte, hace lo que mejor sabe; crear estupendos diálogos, que hacen que toda avance con enorme fluidez. Perfila unos personajes creíbles y carismáticos, sin obviar en este sentido la labor llevada a cabo por sus intérpretes. Además de los ya comentados, hay que destcar a Armie Hammer que, ayudado por los efectos digitales, logra crear él solo a esa sorprendente pareja de gemelos que responden al nombre de Cameron y Tyler Winklevoss.
Quizás los papeles femeninos queden en un segundo plano pero es algo lógico teniendo en cuenta la historia que nos cuentan, cómo lo hacen y quiénes son sus protagonistas.

Me gustaría despedirme (sí, ya por fin) con una sensación que iba acrecentándose en mi interior a medida que avanzaba el filme. A pesar del éxito económico y profesional, a pesar de estar rodeado de cada vez más gente, Zuckerberg esta siempre solo. Él se encuentra al otro lado del cristal, viendo a un montón de gente divertirse, sin saber él bien cómo hacerlo. Esta es la gran tragedia de Mark Zuckerberg. Las personas necesitamos el dinero para poder vivir pero aún más, necesitamos el cariño de los demás para poder ser felices.

PD: Dedicado a todos mis amigos.

"Avatar", un mundo por descubrir

2009-12-27T17:53:00.021+01:00

El sueño de un rey

Hace más de quince años comenzó a gestarse en la mente de James Cameron (Canadá, 1954) un proyecto con el que pretendía cambiar la concepción que los espectadores teníamos del cine. El sueño surgió en torno a 1994, después de revolucionar el mundo de los efectos digitales con el sorprendente e indestructible T-1000 de la genial “Terminador 2” (1991).

La idea de Cameron era crear un mundo con entidad propia, habitado por seres digitales que rezumasen realismo por todos sus poros. Pero, por aquel entonces, la tecnología no podía ofrecer al director de “Mentiras Arriesgadas” (1994) lo que este le pedía.

Si hay un momento clave en la carrera de James Cameron ese es sin duda 1997, el año del estreno de “Titanic”. Los más de 1800 millones de dólares recaudados en todo el mundo, lo que la convierte en la película más taquillera hasta la fecha, y sus once Oscar (incluido el de Mejor Película), sumieron en un estado de euforia y felicidad profundos a Cameron, que no dudo en autoproclamarse rey del mundo (emulando, como bien es sabido, al personaje que interpretaba Dicaprio en el film).

En los doce años que separan a "Titanic" de su último film, Cameron estuvo experimentando con la tecnología 3D, haciendo pruebas (a modo de cortos) basadas en el mundo de Terminador y también con Titanic y que llegaron, de forma muy limitada, a unos pocos cines en Estados Unidos que, a finales de los noventa, ya ofrecían la nueva tecnología.

Y de esta forma, llegamos por fin (con la tecnología 3D implantada ya en muchos cines) al 18 de diciembre de 2009, fecha del estreno mundial de “Avatar”, haciéndose realidad el sueño de un hombre, que más que un cineasta es un intrépido navegante, un capitán que dirige con pulso firme el timonel de su barco, empeñado en descubrir nuevos mundos y en dárnoslos a conocer a nosotros, a los espectadores, que somos su tripulación.

James Cameron y Sam Worthingtom en pleno rodaje de "Avatar"

Lo que ha unido Dios, que no lo separe el hombre

Casado en tres ocasiones, parece que la única pareja estable y fiel de James Cameorn, a lo largo de los años, ha sido la tecnología. Los dos, director y efectos especiales han mantenido una sólida relación que tuvo sus inicios en la ya lejana (y olvidable) “Piraña 2” (1981). A partir de entonces, fruto de ese amor, nacieron el maravilloso y sugestivo mundo marino de “The Abyss”(1989), las letales maquinas y el mundo apocalíptico de “Terminator” (1984) (incluida su ya citada continuación), la aterradora reina alien de la que es sin duda su mejor película “Aliens” (1986) o la majestuosa recreación y emotivo hundimiento del Titanic… Es imposible concebir el cine de James Cameron sin la tecnología de la misma forma que, por poner un ejemplo, no podemos entender el cine de Woody Allen sin su humor, creado a partir de personajes y diálogos ingeniosos.

Y es con esta premisa, con la dualidad cine-tecnología con la que uno debe adentrarse en el nuevo mundo creado por Cameron, un mundo que responde al nombre de Pandora.

Pandora y los Na´vi

Desde el momento de la llegada del marine Jake Sully (Sam Worthington) a Pandora, nosotros -como espectadores-, nos adentramos en un mundo vibrante y de enorme belleza, con un diseño artístico único -y que lo separa de cualquier otra cosa que hayamos visto hasta ahora-, con tonos malvas, púrpuras, fluorescentes y con tonalidades azules para sus pobladores indígenas (recordemos que los alienígenas son los humanos y no al revés dado que son estos últimos los que vienen de fuera) que les hace encjar perfectamente en el entorno formádonse así un todo muy natural y coherente, dentro de su estilo particular.

Desde luego que es una apuesta arriesgada, que no a todo el mundo está gustando (hay quienes lo tachan de hortera). Pero es el riesgo inherente al objetivo que se marcó Cameron de crear un mundo original y diferente. Lo mejor de todo es que lo consigue y encima, pese a usar una paleta cromática tan llamativa, logra crear un mundo totalmente creíble.

Y esta credibilidad es igualmente aplicable al diseño de los Na´vi, con forma humana pero con unos rasgos que les da cierto toque exótico (una vez más, la elección en los colores tiene mucho que ver). De igual manera, su enorme altura y delgadez les confiere un toque muy estilizado, incluso místico pareciendo seres cuasi divinos. Pero es en el detalle de los rostros y, sobre todo en su expresividad, donde Cameron consigue marcar las distancias con el resto de cineatas actuales. Con la llegada de “Avatar” Cameron ha dado un puñetazo en la mesa dejando claro que actualmente no hay ningún director tan capaz como él en el empleo de los efectos digitales para “crear” vida.

Y es que, basta con ver el avatar de la Dra. Grace Augustine (interpretada por Sigouney Weaver) para apreciar hasta que punto se ha sabido captar los gestos y enorme expresividad de los actores, cuyo parecido con sus correspondientes avatares es innegable. ¿Y que es lo más importante de todo esto?, pues que al rato de estar viendo la película te olvidas de estar viendo personajes digitales en mundo ficticio… todo es real, tan solo hay que dejarse llevar.

La Na´vi Neytiri, el mejor personaje de Avatar

Pero si hay un personaje que marca las diferencias, no ya por su diseño sino por lo que representa ese es el de Neytiri (Zoe Saldana), una mujer fuerte, valiente y decidida y que muestra como ningún otro (para eso la escribió Cameron) el profundo misticismo de los Na´vi, su carácter y organización tribal (con las consiguientes costumbres y ritos) y, por supuesto, su amor y respeto por la naturaleza.

De los muchos conceptos con los que juega el film, este es quizás el más logrado. Pandora es mundo terriblemente hostil, pero solo lo es para el visitante que viene con una mentalidad belicosa y de conquista. Por tanto, tenemos dos visiones de Pandora, por un lado la de los marines, encabezados por el incansable y obtuso Coronel Quaritch (Stephen Lang) y, por otro, la de de los científicos (del lado humano), con ganas de conocer y entender el nuevo mundo y la de los indígenas, que entienden que son un elemento más en Pandora y que no conciben su vida si no es en armonía con el todos los elementos del mundo en el que viven. Por eso, matan solo por la necesidad de tener que alimentarse y rezan por el animal al que han cazado y quitado la vida. El mensaje ecologista es más que evidente pero se hace de una forma natural, nada que ver con el tono alarmista, profético y bíblico del inefable Roland Emerich y su estúpida “2012”.

Un mundo en 3D

Resulta imposible hablar de “Avatar” y no hacer referencia a lo primero que más llama la atención, las 3D.

Antes de comenzar la película, pasaron el trailer de “Alicia en el País de las Maravillas” la esperada nueva película de Tim Burton. La película pinta genial y sin duda, lo más llamativo -a parte del diseño artístico y de ver al camaleónico Johnny Deep como el “Sombrerero Loco”, fue ver el uso que hará la película de las 3D, con multitud de elementos “saliendo” de la pantalla y dirigiéndose al espectador.

Pues bien, aunque “Avatar” también lo hace (fue gracioso escuchar exclamaciones de personas que nunca habían visto nada en 3D) no carga las tintas en esta faceta como en dotar, por medio de las 3D, de una profundidad de campo y un gran volumen a los elementos que aparecen en pantalla. Es cierto que, pasada la impresión inicial, los ojos se van acostumbrando pero servidor, no podía dejar de pensar en la profundidad de la imagen, sobre todo a la hora de recrear Pandora, de plasmar sus exuberantes bosques selváticos… Es toda una experiencia ver al avatar de Jake Sully moverse rápidamente por la selva y nosotros detrás del el como si estuviésemos allí. Este es el mayor logro de las 3D, crean inmersión.

Pero no todo es bueno, es cierto que, en las escenas entre humanos, en el interior de las instalaciones, el resultado no es el mismo, haciéndose innecesario su uso. Además, en ocasiones la película resalta un elemento en primer termino, dejando difuminados los que están a su alrededor. Es evidente que con ello se busca llamar la atención sobre determinado personaje u objeto pero no deja de resultar algo molesto. Y, hablando de molesto, los subtítulos que aparecen en la película (los Na´vi tienen una lengua propia) que si bien es cierto que son muy escasos, también lo es que son incómodos de leer. Por tanto, parece que las 3D están orientadas a un tipo muy concreto de película… al menos yo, no me imagino viendo una película "de diálogos", con esta tecnología (y menos si es en versión original subtitulada).

El (dichoso) guión

Pero si hay un elemento verdaderamente criticable en “Avatar” ese es el guión. Sí, me subo al carro, aunque con matices, de quienes critican con dureza la historia y la creación psicológica de los personajes creados por Cameron.

Es una verdadera lástima ver cómo la maestría demostrada por Cameron a la hora de crear visualmente un mundo como Pandora se vea parcialmente ensombrecida por un historia facilona y previsible, de la que sabemos exactamente que va a pasar a los pocos minutos de su empiece. La historia es básicamente el mito de Pocahontas pero con razas interplanetarias y elementos de la ciencia-ficción de por medio (naves, robots, genética, etc.).

Así, tenemos a un Jake Sully que recuerda al John Smith de Pocahontas y que se presenta como un guerrero (un marine) con una mentalidad de conquista que ira cambiando a medida que avance su adiestramiento y de ir cumpliendo los ritos de iniciación propios de los Na´vi. A lo largo de este proceso se va enamorando de la indígena Neytiri y de lo que esta representa y que le hace cambiar su modo de ver las cosas, adquiriendo una nueva actitud de respeto y conciencia hacia la naturaleza. Demasiado previsible.

Neytiri enseña a Sully todo lo que supone ser un Na´vi

Me gustarái dejar una cosa clara; que la historia sea sencilla o que esté inspirada en otros relatos no tiene por qué ser necesariamente malo. Por poner un ejemplo reciente, “Ponyo en el acantilado” del genial Hayao Miyazaki es una reinterpretación a la japonesa y con niños como protagonistas, de otro gran relato, el de “La Sirenita”. Esta comparación no es gratuita y es que, resulta curioso como dos obras tan distintas en apariencia tienen tantos puntos en común. Aparte de presentar una historia sencilla basada en otra clásica, las dos poseen una gran belleza formal y un mensaje ecologista en defensa del medio ambiente, de la naturaleza. Pero aunque Ponyo no goza del ritmo ni posee las batallas épicas de la película de Cameron, cuida mucho más a sus personajes, regalándonos sobre todo, a una niña increíblemente entrañable.

No se que explicación darle a semajante tropiezo pero en mi opinión, parece que Cameron ha estado tan preocupado porque la tecnología (nos) sorprendiese y alcanzase nuevas cotas de calidad que al final, lo que es verdaderamente importante en un film, su historia y sus personajes, han quedado relegados a un segundo plano.

No puedo evitar entonces compararla tampoco con El Caballero Oscuro, que a diferencia de “Avatar”, brilla por igual en el plano técnico y narrativo con unos personajes inmensos y para nada planos... Este es el problema que arrastra la película; La policromada Pandora presenta unos personajes planos y monocromáticos; o son blancos o son negros pero no hay grises. De esta forma, tenemos marines implacables y despiadados frente a indígenas con una concepción pura y mística de la vida, sin una sola fisura, cada bando entiende y defiende su postura, sin cuestionarse por un instante la moralidad de sus acciones y las consecuencias que estas pueden acarrear (evidentemente me refiero a los marines).

Es cierto que las personas somos capaces de lo peor y que la historia nos ha demostrado que estos genocidios y destrucción de culturas han existido siempre. También soy consciente de que en el fondo, estamos ante una película fantástica con una historia puramente ficticia que trata, ante todo, de sorprender con sus imagenes. Además, no me cabe niguna duda de que es algo intencionado el hecho de que Cameron quiera que nos identifiquemos con unos y que odiemos a los otros... Todo esto es verdad, no lo niego pero, con todo, -llamazme caprichoso si queréis-, me mantengo firme en mi postura; me gusta ver a personajes con distintas aristas, con sus luces y sus sombras y, en este sentido, tan solo la piloto Trudy Chacon (Michelle Rodríguez) parece romper algo con este planteamiento tan cerrado y maniqueo de buenos y malos.

El villano de la funcion, el Coronel Quaritch

Tan solo fue un sueño, pero un bonito sueño

Cuando me preguntan si merece la pena ir al cine para ver "Avatar" respondo con un rotundo sí (y mejor si es en 3D). Y es que esta es una de esas ocasiones en el que los aspectos positivos se impoenen a los negativos que, no obstante están ahí y, desde luego, limitan todo el potencial que tenía la película, convirtiéndola en toda una experiencia visual y una buena película en general pero no en una obra de arte como pretendía su director.

Con todo, James Cameron ha vuelto por la puerta grande con un mundo bajo el brazo, increíble por su diseño y originalidad y, al mismo tiempo, también creíble porque es un mundo orgánico y natural donde todo tiene vida propia, siendo los Na´vi, el paradigma de todo ello.

Otro aspecto a destacar es es de la magnifica planificación de las escenas de acción (ámbito en el que una vez más, Cameron es el mejor), con una batalla final verdaderamente apoteósica. Y no puedo olvidarme, en una película tan visual como esta, de algunas imágenes que se te quedan grabadas en la retina (como la del caballo en llamas).

Semejante marco merecía una historia algo más profunda y, sobre todo, original. En vez de eso, lo que tenemos es una historia demasiado simple, que recorre lugares comunes y con unos personajes demasiado estereotipados. Cameron quería revolucionar el cine pero a lo más que ha llegado es a poner un nuevo estándar de calidad visual al partir del cual juzgaremos futuras películas que apuesten por lo digital. Esto no es poco, desde luego, pero a Cameron hay que exigirle “todo” y en esta ocasión, no nos lo ha dado. La próxima vez será.

"2012" Estábamos advertidos...

2009-12-07T21:26:00.011+01:00

1996, salgo del cine completamente alucinado de ver “Independence Day”. La película tenía de todo; Espectaculares escenas de acción con unos efectos digitales de aupa, un ritmo trepidante, escenas que te ponían el corazón en un puño, también había momentos para el drama y la comedia…Increíble.

2009, salgo del cine completamente “alucinado” de ver “2012”. La película ofrece el mismo esquema que la protagonizada por Will Smith hace ya trece años; A una secuencia de acción-catástrofe le sigue otra supuestamente dramática. Después una situación cómica y vuelta a empezar, variando -para que no se note tanto-, el orden de la ecuación, pero repito, siempre con las mismas constantes.

El alemán errante

Con los años, las personas nos vamos volviendo más exigentes con todo; Con nuestras relaciones personales, con nuestros gustos… Ese criterio exigente nos lo da la experiencia, el ir degustando nuevas cosas con las que poder comoparar, las lecciones que se van aprendiendo... en definitiva, el ir madurando.

Pero hete aquí, que aparece el último estreno del cada vez más inefable Roland Emerich, quien debe pensar que las personas somos igual de impresionables y exigentes con 13 que con 26 años. Es esta actitud la única que puede explicar que este hombre lleve haciendo la misma chorrada desde que dejó su Alemania natal para “conquistar las Américas”.

El director alemán siempre se ha declarado admirador del gran trabajo de Steven Spielberg. En este sentido, es una pena que no haya aprendido nada del incuestionable sentido del ritmo y del espectáculo del director de “E.T”. o “Tiburón”... Emerich no es un director, es un mal tramoyista que piensa que los espectadores somos idiotas y que, anteponiendo la cantidad a la calidad, vamos a estar más que satisfechos.

Respecto a esto, mi opinión es bien clara (y disitnta); Los efectos especiales, en una película, deben servir para darle forma, debiendo estar además, al servicio de su historia.

Parece que algunos directores actuales están demasiado ocupados en mostrar lo “último de lo último”, sin preocuparse lo más mínimo por lo que están contando. No hay preocupación por los personajes, da igual que esten huecos y hagan el bobo, todo queda cubierto por una gruesa capa digital.

Alguno tendrá el valor (la desfachatez) de decirme que hay películas que no requieren de un buen guión, que lo importante no es lo que cuentan sino como lo hacen… No veáis más cine, no os estáis enterando de nada. Así a bote pronto, me vienen a la cabeza títulos como “Los diez mandamientos” -todo un espectáculo para la época-, “Terminator 2”, la trilogía de “El Señor de los Anillos”, la reciente “El Caballero Oscuro”, las películas de Pixar… Todos ellos son ejemplos de que el espectáculo visual y una buena historia con grandes personajes, son posibles en un mismo producto. Lo que ocurre es que para aunar ambos se requiere talento, algo que el director de “El día de mañana” (sin ser una maravilla, su mejor película) no posee ni por asomo.

Humor, sin pretenderlo

¿No os pasado nunca que algo que debería despertaros un sentimiento concreto ha terminado por produciros otro completamente distinto?

No puedo evitar lamentarme cuando veo a actores como John Cusack, que han demostrado su talento en películas tan estimulantes como “Alta Fidelidad” o “Como ser John Malkovich”, en subproductos como este. Entiendo que la mansión y el jet privado no se pagan solos, pero igualmente lo siento. Y es que, es lamentable ver a buenos actores desaprovechados, interpretando personajes tan faltos de carisma, de personalidad… tan faltos de todo y envueltos en situaciones absolutamente delirantes.

Y esto me lleva a la secuencia de la limusina. Un vehículo corriente, conducido por el personaje que encarna Cusack (Curtis Jakson), escapando de la destrucción más absoluta que se cierne a su paso, pegada al culo, haciendo saltos imposibles, derrapando… Mostrando unas prestaciones que harían palidecer al mismísimo batmovil (manda huevos).

La demencial secuencia de la limusina, que conduce Kurtis y en la que va con toda su familia... rodeada de coches, de carreteras y de edificios que caen a su paso... saliendo ilesos pese a lo catastrófico del asunto.

Pero por si no teníamos suficiente con esta bochornosa secuencia, Emerich vuelve a la carga, calcando la escena, con Curtis de nuevo conduciendo una caravana y saliendo del mismísimo infierno, por sus propias manos, sin un rasguño. ¡Oleee!

Se supone que todas estas secuencias, en las que se han gastado un pastizal, deben ponernos en tensión, liberando nuestra adrenalina, y, claro está, hacernos disfrutar … A mí me entró la risa, una risa mezcla de incredulidad y de vergüenza ajena ante lo que estaba viendo. Y lo mismo se puede decir de los momentos supuestamente dramáticos. Increíblemente falsos, lagrimas impostadas que no conmueven a nadie (lo único que de veras lamenté fue ver al pobre geólogo indio con su familia, abandonado a su suerte cuando es él quien da la alarma de lo que está por venir).

En este cúmulo de despropositos, no podía olvidarme de la falta de originalidad imperante a lo largo y ancho del film. Y es que, Como buen blockbuster que es, tiene su buena ración de tópicos que no podían faltar a la cita; El hijo cabreado con su padre por que sí, la ex -mujer que no podía ni verlo -por mal padre y peor marido-, y que ante la grandes gestas de este a lo largo del film, acaba volviendo al redil del amor (¡sí nena!)… Y eso un minuto después de haber perdido a su novio, un tipo mucho más enrollado que sí entiende el “dolor” de la adolescencia, comprándole una móvil mega guay al hijo del protagonista.

Kurtis Jakson (John Cusack) puede con todo...

Y encima me meten la Biblia

Después de dos horas de atracón de ordenador y diálogos y situaciones estúpidas, cuando creo que ya puedo respirar tranquilo, arranca un final descaradamente religioso, menudo ardor de estómago.

Imagino que Emerich, que es uno de los guionistas (es un decir) de “2012”, debió pensar; Bueno, ya que me cargo todos los símbolos americanos habidos y por haber, por lo menos que les quede la satisfacción a los espectadores de aquel país (que son a los que siempre tiene en mente cuando rueda sus películas) de poder consolarse en el cristianismo.

Y es que, si las arcas de Noé (encarnado por el geólogo negro) no nos dicen suficiente, ahí tenemos de nuevo al bueno de Cusack, como Jesucristo salvador del mundo (aunque sin sacrificio final, para que no quede muy descarado y sacrílego).

Después de la tempestad llega la calma y llegamos al final de la historia con el típico plano de cierre que parece una postal, con los supervivientes de las tres arcas mirando al infinito, ante un bello y ahora tranquilo paisaje (lo que se entiende como un nuevo y esperanzador comienzo para la especie humana).

Terminada la película no puedo evitar tomarme a broma la frase promocional del cartel: "Estábamos avisados" . Me habían dicho que no la viese, y conocía de sobra los precedentes ("10.000 B.C. es otra parida similar a esta). Pero uno es un ingenuo y acaba cayendo en la trampa orquestada por un grupo de productores ávidos de dinero , con pocos escrúpulos y muy mal gusto. Permitidme pues, que me ponga yo también religioso cuando digo que: Una y no más, Santo Tomás, a mi no me vuelves a pillar en el cine viendo una película tuya, alemán

Inglorius Basterds, el cine según Tarantino

2009-11-22T15:38:00.019+01:00

Antes de ser el director que es hoy, Quentin Tarantino (Tennesse, 1963) trabajó, siendo un jovenzuelo, en un videoclub, donde se hartó de ver películas, desde los grandes clásicos hasta el cine de acción más moderno, pasando por la serie B, la serie Z… Abarcando todos los géneros imaginables.

Todo ese bagaje, toda esa "cultura cinéfila" se aprecia claramente en todos y cada uno de los elementos que componen sus películas; en la música que acompaña (y a veces da sentido) a las escenas, en los planos que utiliza para obtener determinados efectos, en los temas recurrentes que mueven a sus personajes, etc. Por todo ello a nadie debería sorprender que el séptimo trabajo de Quentin Tarantino, “Inglorius Basterds” sea más que una cinta bélica, que es lo que cabría esperarse de una película protagonizada por un grupo de aliados que se enfrentan a los nazis.

Cartel de "Ingloroius Basterds" (2009)

Una película de personajes

Pero entonces, ¿A qué genero pertenece “Inglorius Basterds”?;

Para empezar, sí que podríamos considerarla una película bélica, por estar enmarcada en la Segunda Guerra Mundial, y por presentar el conflicto armado entre la Alemania de Hitler y el resto del Mundo.

A lo bélico habría que sumarle elementos reconocibles del western -género que tanto gusta a Tarantino-, algo muy palpable en el primero de los cinco capítulos que componen la película y que arranca con música del gran Ennio Morricone (“La muerte tenía un precio”, “Por un puñado de dólares”). Una música unida a unos planos que nos llevan en suma, a creer que vamos a presenciar un duelo crepuscular en el salvaje Oeste, siendo las esvásticas -caracterísitcas de la iconografía nazi-,.las que no devuelven a la realidad de la película.

Pero es que, a todo ello, hay que sumar también dos historias de venganza; la de los Bastardos liderados por el socarrón teniente Aldo Raine (Brad Pitt), y la de otro personaje que no voy a desvelar, pero que se da por sentado cuando vemos lo que le sucede.

De acuerdo, entonces tenemos elementos propios del cine bélico y del western, construídos a partir de dos historias, una personal y otra “grupal”, donde se clama vendetta, aliñadas con un toque de humor negro y una buena ración de violencia… Todo esto está bien pero aún no he respondido a la pregunta sobre cuál es el género en el que habría que enmarcar a la peliula. Hay un pequeño probelma.

El "problema" a la hora de catalogar esta película es el mismo que tuvieron en su día “Pulp Fiction” o los dos volúmenes de “Kill Bill”; De forma premeditada, Tarantino no termina por definir sus películas en un género concreto, porque siempre se apoya en varios, pero sin decantarse claramente por uno solo. Pero eso no significa que no podamos clasificarla; Se puede, pero hay que hacerlo de un modo diferente. Y es que, a pesar de todo, sí que hay un elemento estrella que destaca por encima del resto y que nos sirve paar poder responder de una vez a la dichosa pregunta planteada al principio. Y este elemento no es otro que el de los personajes. De esta forma, podemos decir que, de ser algo, "Inglorius Basterds" es una película de perosnajes.

Hace ya tiempo que el director de “Reservoig Dogs” confesó que a la hora de afrontar un nuevo proyecto, lo hace siempre a partir de sus personajes. Son ellos los que le dicen hacia donde va a dirigirse la historia porque son ellos, con sus actos, los que la definen, y no al revés. Y este punto es fundamental para llegar a entender el cine de Tarantino, para poder comprender por qué sus personajes destilan tanto carisma, por qué hablan tanto y por qué, en ocasiones, la historia queda relegada a un segundo plano o se muestra algo inconsistente, falta de continuidad y de conjunto.

Y esto es precisamente lo que ofrece “Inglorius…”, una historia algo irregular a la que parece faltarle algo de cohesión, pero que puede presumir de contar con unos personajes de gran calado, cada uno con sus rasgos bien definidos y que cobran vida en la pantalla, olvidándonos por momentos, de su naturaleza ficticia. Mención especial para el villano del la función, el gran Hans Landa (magníficamente interpretado por el hasta hora desconocido Christoph Waltz) que logra caernos bien pese a ser un cabrón despiadado como pocos.

Érase una vez… en la Francia ocupada por los nazis…

Como si de un cuento se tratara, comienza la historia en 1941, momento de clara ofensiva nazi. El primer capítulo, el mejor junto con el cuarto, sirve para presentarnos al ya mencionado Hans Landa, conocido en toda Francia como el “Cazador de judios”. El apodo, del que él mismo se vanagloria, hace justicia a un hombre increíblemente inteligente y astuto, al que es casi imposible engañar, y que se muestra implacable en su misión por acabar con toda una etnia a la que considera ratas. A lo largo de film le vemos hablar en distintos idiomas; alemán, inglés, francés, italiano... Contralando en todo momento la situación y al resto de personajes (y actores). Hans Landa es la piedra angular sobre la que esta construida la historia, siendo, con diferencia, el mejor personaje, y el que más sorpresas nos tiene guardadas, por su particular forma de actuar y de ver las cosas…

Hans Landa, villano con enorme carisma

El segundo capítulo introduce a los Bastardos, un grupo de judios americanos ávidos de venganza. Justifican sus actos en una premisa; los nazis han demostrado no ser personas y, por tanto, no merecen ningún tipo de trato humano. Así se nos presenta a un grupo de pirados mal nacidos que se embarcan voluntariamente en una misión suicida. A parte de Aldo Raine, caben mencionar al sargento Donny "El oso judio" Donowitz (interpretado por Eli Roth, director de las sangrientas “Hostel” y amigo de Tarantino) armado con su brutal bate de baseball y, el sargento Hugo Stiglitz (Til Schweiger), violentísimo soldado alemán insurrecto que se ha apuntado a la "fiesta" de los Bastardos. Son estos dos personajes la mejor muestra de lo salvajes que pueden llegar a ser este grupo, tanto como los propios nazis; fuego al fuego.

Los Bastardos, una pesadilla para los nazis en Francia

Llegamos al tercer capítulo, dedicado como el primero a un único personaje que, al igual que los Bastardos, prepara su venganza contra los alemanes. Es el menos interesante de los cinco por ser el más pausado y en el que menos cosas ocurren… Pero no deja de ser la calma que precede a la tempestad y es necesario para poder entender el desenlace de la historia.

La Taberna, juegos de cine

Pero si hay una secuencia que defina a “Inglorius…” esa es la de la taberna.

Bajo el nombre de “Operación Kino” el cuarto capítulo contiene una de las escenas más tensas y vibrantes que he visto en mucho tiempo, superior incluso a la del primer capítulo.

En ella, Tarantino dilata el tiempo hasta el paroxismo, jugando con sus personajes y estos, a su vez, con el espectador, con una tensión que va increscendo, dejándote extenuado. Y lo logra, no con acción y multitud de planos como hacen otros directores, sino con unos personajes que no paran de hablar. Además, son unos diálogos banales, intrascendentes pero, al mismo tiempo, claves en desarrollo de los acontecimientos.

Habrá quienes no soporten este rasgo tan característico del director, y les moleste que, para llegar al desenlace que tiene la escena, haya habido de por medio tanta verborrea… Es lo que tiene Tarantino, si comulgas con los interminables diálogos que vociferan sus parlanchines personajes disfrutaras, de lo contrario, lo mejor que puedes hacer es pasar de este director porque eso es lo que hay. Tarantino no engaña a nadie.

El juego de los personajes en la taberna, memorable

La traca final

Y llegamos al clímax de la historia, con la situación bien definida, con una tensión que se mantiene desde el capitulo anterior pero con más ritmo, más acción y muchas, muchísimas muertes, algunas sorprendentes, y que suponen un giro en los acontecimientos y un cambio en la Historia que sabemos que no pasó.

Y es este último giro el que vuelve a reivindicar a Tarantino como un director único, que se toma todo a risa y, al mismo tiempo, todo en serio. La película podría haberse ambientado en cualquier otra época, con otros personajes y con un desenlace diferente, pero las sensaciones seguirían siendo las mismas (o casi). Porque esto es Tarantino; sangre, violencia, humor negro, venganza, western, serie B… Y personajes, sobre todo personajes, a los que querer, y conversaciones con las que disfrutar y giros inesperados que no dejan de sorprendernos.

No, no es una obra maestra ni la mejor película de Tarantino, como nos hace querer ver, en el último plano y con una frase cargada de sorna, Aldo Rain, pero sí es un entretenimiento cojonudo, con algunos momentos inmensos, de puro cine. Esto es Tarantino, un tipo enamorado del cine hasta las cachas y que siempre tiene algo interesante que contar.

"500 Dias juntos", el ciclo del amor (y la vida)

2009-11-18T21:36:00.014+01:00

En un género tan falto de originalidad como el de la comedia romántica, es siempre de agradecer que surjan propuestas como la de “500 días juntos” (“500 days of summer”) un film que, sin apartarse demasiado de los convencionalismos del género, sí que propone situaciones no tan tópicas ni personajes tan estereotipados. Por ello, lo más correcto sería decir que “500...” innova en la forma de contar las cosas, que no en el fondo.

Los (divertidos) créditos iniciales arrancan con la voz en off de un narrador que nos va acompañando a lo largo del film -dejando reflexiones o dando pie a la próxima secuencia-. y nos sirve para conocer a los dos protagonistas; Tom Hamsen (Joseph Gordon-Levitt) y Summer Finn.(Zooey Deschanel).

Es esta voz la que nos cuenta que Tom es un romántico empedernido, gracias a la influencia del pop británico (esto me llegó) y una mala interpretación de “El Graduado” (hay varias referencias a maestros del cine como Bergman). De Summer nos dice que, al contrario que Tom, no cree en el amor verdadero (desencantada quizás por la ruptura de sus padres cuando era niña) y también que es bastante impulsiva; actúa conforme se siente en cada momento y, por extraño que parezca, cuando está cómoda con algo (o alguien), acaba deshaciéndose de él (lo mismo su larga melena que su actual pareja).

Con ello, se nos está dejando claro desde el principio, que no vamos a ver la típica historia donde, después de numerosos contratiempos, triunfa el amor, más bien al contrario. Lo que se nos cuenta es una historia de desamor, de desengaño y que supone dar un paso decisivo a la adultez , con la madurez que ello exige y que no siempre se tiene.

Son dos personas que se encuentran en un momento de su vida, comparten vivencias, más alegres al comienzo y después, conforme la relación se va deteriorando, los desencuentros son más habituales, hasta que se pone fin.

(El cartel para el cine muestra Joseph Gordon-Levit con una camiseta compuesta por imágenes del film que remarcan la idea de que al final de una relación, lo que conservamos son los recuerdos, buenos y malos, como instantáneas que quedan grabadas en la retina).

Para los que estéis leyendo estas líneas y aún no hayáis visto la película; podéis estar tranquilos. Las cosas quedan claras en los primeros minutos y esto es así porque “500 días juntos” rompe con la forma tradicional de contar las cosas, presentando una narración no lineal. En este sentido recuerda, salvando las diferencias, a la genial "Olvidate de mí" (2004) .

De esta forma, podemos ver en una escena cómo la pareja va a un IKEA donde juegan con la idea de estar viviendo en su propia casa, con Tom haciendo una broma sobre que los grifos (que están allí expuestos) “no funcionan”, arrancándole una sonrisa a Summer. Más adelante vemos lo que parece la misma situación; los dos vuelven a estar en la cadena de tiendas sueca, Tom haciendo de nuevo el comentario gracioso de los grifos... Pero habiendo transcurrido varios meses y con el consiguiente agotamiento de la relación, con lo que la broma ha dejado de ser graciosa, recibiendo una fría indiferencia por parte de Summer.

Este es el verdadero acierto de la película, ver como a través de esa forma atípica de contarnos la relación, se va desconstruyendo la misma. Es como tener una radiografía de la relación de la pareja, con la que poder hacer un análisis y entender por qué terminó.

EL PORQUÉ DE LAS COSAS

Dada la forma de ser de ambos personajes, es fácil sentir simpatía por Tom. Es un tipo corriente con el expreso deseo de encontrar a la mujer de su vida con la que pasar el resto de sus días juntos. Pero Summer no es así. Es una persona con un mundo interior propio, que piensa y actúa diferente (me niego a tildarla de rara o ver esto como algo negativo). Además, puede parecer (y tal vez lo sea) egoista en su forma de ser y de entender la relación y, por ello, la persona a quien culpar de la desdicha que acompaña a Tom tras la ruptura.

Pero lo cierto es que Tom conoce, desde antes de empezar a salir con Summer, la opinión que esta tiene acerca del amor (para ella es algo así como Papa Noel, una fantasia que solo puedes creer si tienes la mentalidad de un niño). Tampoco ayuda la idealización que él hace de la chica -a la que considera casi perfecta-, ni que sea ella la que inicie y tiempo después, ponga fin a la relación (porque siente que las cosas han cambiado y ya no tiene sentido seguir así). Entonces ¿A qué viene tanto problema?

Summer explicando a Tom por qué no cree en el amor verdero

El problema viene cuando, después de poner fin a la relación, Summer parece cambiar su opinión respecto al amor. Entonces Tom se hace la inevitable pregunta; ¿Hice algo mal?, no pudiendo evitar sentirse culpable, cuando en realidad todo tiene que ver con la idea de que las personas quemamos etapas y con ellas vamos reconsiderando nuestras opiniones sobre casi todo. No creo en los que dicen que no podemos cambiar, que siempre somos los mimos. Las personas estamos en constante transformación y hoy se puede pensar de un modo y máñana de otro (por mucho que nos jactemos de tener las ideas claras).

Es lo que les sucede a Summer y a Tom cuando se vuelven a encontrar. Ha pasado tiempo (aunque siempre dentro de esos 500 días) y él es ahora el incrédulo (o descreído) porque no entiende qué ha fallado y quizás sí sea verdad que no existe el amor. En cambio ella, parece haber conocido a alguien especial, alguien que le produce sentimientos nuevos y desconocidos hasta entonces y con ello ha entendido que estaba equivocada, que él tenía razón; sí existe el amor. Tom se queda perpplejo, no entiende cómo ella ha podido cambiar de parecer con el tiempo. Pero esto lo piensa por despecho, porque se siente triste, porque aún no ha levantado cabeza.

Finaliza la película y (me) surgen entonces las preguntas de rigor sobre las relaciones de pareja: ¿Actuamos a veces de forma egoísta?, ¿No somos a veces algo o bastante inmaduros?, ¿Esperamos en ocasiones demasiado de las relaciones? ¿Cuál es el modo correcto de actuar? ¿Existe el termino medio para los dos?, etc.

En mi humilde y poco experimentada opinión, creo que las dos primeras preguntas se responden con un rotundo si. También creo que cuando las cosas marchan bien -sobre todo al principio-, creamos unas espectativas, a veces demasiado altas, sobre nuestro situación de pareja (lo cual es bastante comprensible, estamos muy ilusianados). En cuanto la forma de actuar, es evidente que no existe un modo válido para todos (de ser así, las cosas serían más fáciles pero también mucho más aburridas, por lo que no compensaría); Y en cuanto a la última pregunta; No, no creo que exista un punto medio, entendido como tal, pero sí que puede haber una especie de consenso, acuerdo o como queráis llamarlo entre los dos (a través del útil, pero a veces olvidado, diálogo) para saber que se quiere y espera del otro y de uno mismo, y así saber a qué atenerse.

¿Y frente al sentimiento de tristeza de la relación que acaba?; Pues están los amigos, la familia, el trabajo, retomar aquello que se tenía pendiente desde hacía tiempo (es el mejor momento para hacerlo)... Y pensar que, un buen día, la tristeza hará las maletas y se irá a otra parte. Entonces aparecerá otra persona con la que dará comienzo un nuevo capítulo de mi película favorita: "Mi vida", con un buen puñado de escenas alegres, y otras tantas, tristes y desilusionantes.

Pues esto es todo. Me despido recomendando la película a los que aún no la hayáis visto, por las razones comentadas a lo largo del post; Al menos a mi -como habéis podido comprobar- me ha hecho reflexionar. Es original en su forma de contar la historia y tiene alguna secuencia divertida y de calidad (los ya citados créditos iniciales, la del musical, la secuencia de expectativas/realidad, la del IKEA, etc.). No es una gran película, pero sí es algo interesante que merece la pena ver.

Las mejores películas del 2008 (1) - 5ª (y última) Parte

2009-11-11T23:20:00.023+01:00

Cartel de "The Dark Knight"(2008)

Y llegamos al final del especial sobre Batman, mi personaje de cómic preferido. Lo cierto es que me he divertido mucho haciendo este repaso, aunque me gustaría aclarar una cosa; tal vez echéis de menos más datos y detalles curiosos sobre los rodajes y demás. Bien, en ningún caso quería convertir esto en algo divulgativo, más bien se trata de mi visión sobre el personaje a través de sus escarceos en el cine.

Lo creáis o no, han sido unas cuantas horas delante del ordenador, a veces hasta las tantas, tecleando, escribiendo en el Word, borrando textos enteros que no tenían ningún sentido, revisando escenas y diálogos de las películas (sobre todo de las Nolan porque son las más recientes, las que más lo merecen y la razón de ser de este especial), etc.

Imagino que al igual que sucede con las películas de esta saga, mis ideas y reflexiones habrán tenido sus altibajos y, sobre esto me gustaría plasmar (antes de "entrar en faena") una idea que me surgió durante el proceso de estos post:

Mirando atrás, lo veo todo como una bonita metáfora; la andadura cinematográfica de Batman es como la del propio personaje; siempre avanzando. A veces las caídas son muy duras pero él nunca desiste, siempre encuentra un resquicio al que agarrarse, un sitio en el que poder esconderse, parar un instante, tomar aliento y continuar, dando lo mejor de sí mismo; tan humano como héroe.

El Caballero Oscuro

¿Quién es el que se hace llamar Jocker?

Un grupo de seis hombres enmascarados con rostros de payaso irrumpe en un banco. Cada miembro del grupo hace la parte que le corresponde, aquello en lo que es bueno. Cada uno ha recibido órdenes de acabar con el anterior a él. Van muriendo sucesivamente hasta que al final tan solo queda uno, el más inteligente, el más retorcido, el que se quita la máscara de payaso para enseñar su verdadero rostro... de payaso... es desconcertante, aterrador.

La primera escena de “El Caballero Oscuro” es lo suficientemente contundente como para meterse al espectador en el bolsillo. También sirve como “tímida” presentación del Jocker, el alma de esta película, el mejor villano que ha dado el cine en lo últimos años y la pena de saber que no vamos a poder disfrutar nunca más (aparte de su póstuma “El imaginario del Doctor Parnasus”) del gran actor que es Heath Ledger.

Cuando se dio la noticia de quién iba a ser el nuevo Jocker sentí curiosidad por ver que podía aportar un actor que me había convencido de su talento en “Brokeback Mountain” (y al que siempre recordaré por la tonta pero simpática “Diez razones para odiarte”, sobre todo por la secuencia en la que le cantaba a la chica que le gustaba, en las gradas del campo de fútbol, haciendo el tonto pero quedando como una campeón, ¡que crack!).

Se había comentado que para crear al Jocker se iba a hacer algo distinto a lo que había hecho Nicholson, dejando atrás el lado más “cómico” para perfilar un personaje mucho más siniestro, más oscuro, más perverso.

Pese a que las expectativas eran altas, nunca hubiese imaginado un personaje tan rotundo, capaz de robarles las escenas al resto de excelentes actores. Con su presencia llena la pantalla, devorando a los demás, atemorizando a todos, incluso al sindicato de mafiosos, tipos duros y fríos donde los haya. Pero, ¿qué es lo que le hace tan temible?

Heath Ledger deja de ser Heath Ledger para convertirse en el Jocker

El miedo

El miedo es el más común de los sentimientos humanos, es tan perjudicial como necesario. Es necesario porque nos mantiene alerta de los peligros y también nos recuerda lo vulnerables que en realidad somos. Pero también es nocivo porque nos paraliza, nos impide pensar con claridad, anula nuestra voluntad y, por tanto, a nosotros mismos como personas, sacando al exterior nuestra peor cara. Es este miedo del que se vale el Jocker, del que se alimenta y, a pesar de ello, del que nada tiene.

El gran villano de la función se nos presenta como un librepensador que actúa como un terrorista, dispuesto a dinamitar los endebles cimientos en los que se sustenta nuestra sociedad. Así, poniéndola al límite, demuestra lo miserables que podemos llegar a ser las personas, por mucho que no queramos admitirlo, en un ejercicio de autoengaño.

Al igual que Batman, pretende cambiar la sociedad, pero no dirigiéndose contra un sector concreto (el mundo criminal) como hace el primero, no. Lo que el Jocker pretende es un cambio radical, y pretende hacerlo volandolo todo por los aires, destruyendo nuestras falsas creencias, aquellas que nos hacen dormir plácidamente cada día si las poseemos o, que nos quitan el sueño si nos vemos privados de ellas (la idea de que un buen trabajo, que nos reporte la suficiente riqueza como para poder adquirir bienes materiales, nos da libertad e independencia). Para el Jocker estas creencias son tan etéreas como el papel de los billetes, tan fáciles de quemar o destruir con un buen bidón de gasolina.

Él no tiene miedo a nada porque no tiene nada que perder; considera su existencia efímera por lo que tampoco le importa morir. Es un agitador social, violento y amoral que desprecia el mundo que le ha tocado vivir, su falsa seriedad. Por eso siente que debe ponerle una “sonrisa” tan grotesca y dolorosa como la de su propia cara. Pero es que además, no tiene nombre (no lo necesita) y eso le hace todavía más temible, porque no se le puede poner nombre al terror.

Experimento social

Llegados a este punto, no es de extrañar que el Jocker se dedique a poner a prueba, constantemente, a la ciudad de Gothan, a sus valores y moralidad. Pero su fiereza y poder de destrucción es tal que no solo lo hace de forma colectiva, explotando una bomba en un hospital o con la famosa y discutida escena de los ferris, sino que lo individualiza; en el policía al que provoca en la sala de interrogatorios, en los capos de la mafia (supuestamente el mayor mal que atesora la ciudad) a los que despluma, en los imitadores de Batman a los que baja los humos y devuelve a la cruda realidad, también provocando al policía del coche que custodia al (miserable) delator de Batman… en Harvey Dent/Dos caras, en Rachel Dawes, en Bruce Wayne... y también en Batman.

Sobre la escena de los ferris, daría para todo un post pero me limitaré a expresar mbrevemente mi opinión. El experimento le sale mal al Jocker, según Batman, porque finalmente, ninguno de los dos ferris explota. Pero esto es parcialmente cierto.

Es verdad que ninguno de los dos grupos se atreve a hacerlo, pero no por un sentido de la moral como cacarea Batman, sino por pura cobardía. Nadie quiere tener que cargar con la penitencia de haber pulsado el botón (cosa que yo tampoco haría, me acobardaría igual y “rezaría” para que alguien lo hiciese por mí). De hecho, oímos frases del ferri de civiles del tipo: mejor ellos que nosotros, que son criminales y no merecen una segunda oportunidad… terrible pero cierto, lo que pensamos todos evidenciado en un momento de máxima tensión.

Por eso, no creo que fracase el Jocker en su intento por demostrar lo poco que podemos llegar a merecer la pena como especie. Otra cosa bien distinta es la decisión que toma el preso, el tipo grandullón, que ve que la tensión va en aumento y decide actuar en lo que es un acto de una nobleza y humanidad al que solo se puede acercar el propio Caballero de Gothan. Pero una vez más me pregunto, ¿es creíble que un tipo que ha podido matar (con todo lo que ello conlleva) pueda demostrar ese sacrificio? Si pensamos que no, entonces el guión falla en esas líneas… o quizás no lo haga y el hecho de que no le concedamos ese gesto al preso reafirme la idea del Jocker, somos mezquinos y encima tenemos prejuicios.

Héroes caídos

La historia nos sitúa en un momento en el que la sordidez de Gothan City está siendo sometida por dos caballeros (tres si contamos al inspector Gordon, mejor interpretado que nuca por Gary Oldman); El Caballero Oscuro (por su puesto, Cristian Bale), que no necesita presentación, y el Caballero Blanco, apodo con el que se conoce en la ciudad a Harvey Dent (excelente Aaron Eckhart), fiscal jefe de Gothan y el nuevo azote de los criminales mafiosos.

Dent es un hombre íntegro que tiene como meta imponer la justicia y la verdad sobre su ciudad. Sus logros le están poniendo cada vez más en el punto de mira del sindicato de mafiosos y encima, tiene que lidiar con las filtraciones que se producen desde su ofinica y el cuerpo de policia. No lo tiene nada fácil, pero es tenaz y perseverante. Por eso llama la atención de Wayne, que lo pone a prueba en la escena de la charla en el restaurante, donde claramente lo tantea, para comprobar de qué pasta está hecho y saber si puede o no confiar en él.

Curiosidades de la vida, Dent está saliendo con Rachel Dawes (interpretada en esta ocasión por Maggie Gyllenhaal), la ex-chica de Wayne, cosa que parece no molestarle a este último, es más, le sirve como referencia sobre la clase de persona que puede ser el fiscal más mediático y con carisma de la ciudad. Con todo, el triángulo amoroso será inevitable, con un final trágico para los tres.

Pero volvamos a los caballeros, al blanco y al oscuro, las dos caras de la misma moneda, la del propio Harvey Dent.

Los dos van a ser puestos a prueba y tan solo uno de ellos va a superar, en parte, los macabros juegos del Jocker.

En el pulso que mantiene con el crimen, Dent acaba perdiendo a la mujer que ama, con su rostro desfigurado, mostrando su nueva cara, la de un hombre que se ha sacrificado por un bien mayor y lo ha perdido todo, quedándole como único consuelo la venganza que la aplica en forma de irónica justicia, lanzando una moneda la aire, quedando todo la azar.

Harvey Dent sucumbe al odio y se convierte en Dos Caras

Batman tampoco sale mucho mejor parado ya que en un momento dado, antepone sus sentimientos personales a los principios que siempre ha defendido y que le han servido de luz guía en la oscuridad de la noche. Por eso precisamente pierde a Rachel, porque deja de ser fiel así mismo. Además, por momentos, llega a posicionarse por encima de la ley (hasta ahora había estado al margen de la misma), considerando que el bien justifica los medios (el propio Lucius Fox se lo recrimina por el asunto de la triangulación de móviles que le permiten poder espiar y localizar a todas las personas de la ciudad).
Y no es hasta el final, cuando Batman recupera su admirable e inalcanzable altura moral. Cuando, después de haber perdido a Rachel, decide seguir siendo el Guardián de Gothan, perdonando la vida al Jocker y poniéndose como cabeza de turco para salvaguardar la imagen de Harvey Dent.

Sacrificios

Y esto me lleva a hablar de la parte en la que todos pierden algo. En los tiempos que corren, ser un héroe, da igual que sea público como Dent y Gordon o con identidad oculta como Batman, supone hacer sacrificios… algunos tan grandes que ponen en duda los logros que se obtienen a partir de ellos; ¿Realmente merece la pena sacrificar tanto por algo que nunca parece llegar?

Bruce Wayne ha tenido que renunciar a la mujer que quiere porque su otra identidad le impide llevar una vida normal (además de ponerla claramente en peligro). Añora poder llevar una vida normal, es por eso que ve con tan buenos ojos el ascenso de Harvey Dent, como un sustituto público y natural de Batman que le permita poder retirarse.

Pero Dent es humano y a pesar de todo, acaba sucumbiendo al juego del Jocker. Una mezcla de dolor y pérdida le transforman en algo que no puede servir ya a Gothan. Es en este punto donde se lleva a cabo el mayor de los sacrificios, y el que devuelve a Batman a la cima de lo ético y lo moral; Gothan necesita un héroe como Dent, aunque solo sea su recuerdo, porque es una ciudad con una voluntad demasiado débil a la que un fuerte contratiempo la puede hacer venirse abajo. Por eso Batman decide cargar con la responsabilidad de todos lo errores de Dos Caras.

Pero no son ellos dos los únicos que se sacrifican. También merece ser recordado el comisario Gordon, al que poco le falta para perder a su mujer e hijos. Por eso me refería antes a él como el tercer caballero, porque su compromiso con la justicia es igual de profundo y de arriesgado que el de los otros dos.

Esperanza

Después de la fuerte sacudida a nuestras conciencias que supone el Jocker, debemos aferrarnos a algo, a un símbolo, a algo superior a nosotros. Y es aquí donde se levanta la maltrecha figura del Caballero Oscuro que comprende entonces las palabras de Harvey Dent en la cena en el restaurante: “O mueres como un héroe o vives lo suficiente para verte convertido en un villano”.

Batman sabe que la gente necesita un héroe, aunque para ello deba quedar como un villano ante los ojos de todos porque, como bien dice Gordon (sus últimas frases son para enmarcar) : "El es el héroe que Gothan se merece, pero no el que necesita ahora".

Despedida

Así de grande es el Batman que orquesta Nolan; el que interpretan Cristian Bale, Heath Ledger, Gary Oldman, Aaron Eckhart, Michael Caine… y el resto del elenco de actores que aportan veracidad a una historia que parece más propia del cine negro que del comic. Una historia creada con maestría, nuevamente, por Nolan y Goyer (para esta secuela, también se apunta Jonathan Nolan, hermano del director y con quien ya habían colaborado en la notabilísima “The Prestige”).

Una historia contada con mano firme, con elegancia… espectacular en todo momento, acompañada por la magnífica y estruendorosa banda sonora que componen conjuntamente Hans Zimmer y James Newton Howard, y que acrecienta el nervio y endiablado ritmo del film, desde su secuencia inicial con el atraco al banco hasta la emocionante huída de Batman, con las palabras de Gordon (y que me guardo para despedirme dentro de pocas líneas porque esto también se acaba).

La película se estrenó en el verano del 2008, recaudando más de 1000 millones de dólares (que se dice pronto), la mitad en los Estados Unidos, siendo la segunda más taquillera en la historia de aquel país (superada únicamente por la inalcanzable “Titanic”).

La película obtuvo ocho nominaciones, siete de ellas en apartados técnicos y una como mejor actor de reparto. A título personal piendo que fue niguneada ya que al menos debería haberse reconocido la labor de dirección y guión con un par de nominaciones más (por no hablar de la de mejor película). Por su puesto, de los dos oscar que ganó, hay qe destacar el merecidísimo reconocimineto a Heath Ledger, postumo y que fue recogido por sus padres y hermana. (Por si os lo preguntáis, el otro fue por sonido).

La taquilla y las excelentes críticas reflejan el sentir general de que estamos ante algo más que una buena película basada en un personaje de cómic.
“El Caballero Oscuro” es mucho más que una “pelí de superhéroes”, es una obra maestra con un poderío visual y narrativo inmensos. Es también una reflexión sobre las falsas apariencias en las que vivimos las sociedades occidentales, sordas en nuestra opulencia. Y por último, es un grito ahogado en mitad de la noche, causado por el miedo y la desesperación de creer que no hay salida… Pero es entonces, cuando todo parece estar pedido, cuando irrumpe con fuerza una figura de entre las sombras, para devolvernos la esperanza que un día perdimos Y eso solo lo puede hacer él...

“Por que no es un héroe, es un guardián silencioso, un protector de la noche, un Caballero Oscuro” - Comisario Gordon

FIN

Las mejores películas del 2008 (1) - 4ª Parte

2009-11-09T21:21:00.018+01:00

2005-actualidad: La (hiperrealista y revitalizante) etapa de Christopher Nolan

Cuando vi por primera vez “Memento” (2000) no me paré demasiado en su director, a pesar de que la película me había sorprendido gratamente. Un planteamiento original, con un personaje con memoria de pez que daba pie a un rompecabezas donde cada paso que se daba era en falso, de tal manera que por cada pieza que se encajaba, otra quedaba fuera. Pocas veces he discutido tanto sobre la interpretación del final de una película, y eso es algo que merece atención (siempre claro está, que las cosas se hagan con cierto sentido y no se trate de la típica paja mental del director y/o guionista endiosados de turno.)

Un año desués Nolan siguió con “Insomnio”, un interesante careo entre Al Pacino y Robin Williams que, sin ofrecer nada nuevo, sí mostraba el buen hacer de un director sólido, con un estilo visual cuidado, buen manejo de la narración y que sabía sacar partido de sus actores.

Un nuevo y esperanzador comienzo

Pero si ha habido un antes y un después en la carrera de Christopher Nolan (Londres, 1970) ese fue el día en el que el director inglés aceptó dirigir “Batman Begins”, ocho años después de que Schumacher dejase herida de muerte la saga con su bochornosa cuarta entrega.

Se entienden los años de espera, se necesitaba tiempo para que los espectadores olvidasen, hasta donde eso fuese posible, la imagen que tenían del hombre murciélago tras la lamentable “Batman y Robin”.

Pese a los precedentes, esta vez sí, la elección fue todo un acierto; la difícil tarea de recuperar a un gran personaje para el cine recaía en manos de un director joven (entonces Nolan contaba con 32 años) pero muy capaz para narrar historias. Además, en esta ocasión sí se iba a contar con un buen guión a cargo del propio Nolan y David S. Goyer, un guionista y director poco dotado y que sin duda, ofreció un gran momento de lucidez con el libreto de “Batman Begins”.

La idea era devolver al personaje la carga psicológica de la que había hecho gala en sus mejores historias en cómic, con la personalidad oscura y solitaria que albergaba en su interior Batman, pero también con cierta ligereza, cierta frivolidad y algo de excentricismo, propios del joven millonario que es Bruce Wayne. La idea, por tanto, era componer un personaje que mostrase dos facetas bien diferenciadas, siendo la segunda una fachada con la que cubrir a la primera.

Cartel de "Batmn Begins" (2005)

Pero además, Batman debía ser un símbolo, algo superior a Bruce Wayne, un hombre sin miedos, con un sentido de la justicia y el honor inquebrantables, principios que, unidos a una gran tenacidad y una fortaleza física y mental extraordinarias, no supondrían freno alguno para un hombre que pretendía cambiar las cosas. ¿Difícil verdad?; pues pese a ello nos encontramos con el Batman más creíble y humano de todos, gracias a dos aspectos fundamentales; El primero tiene que ver con el tratamiento hiperrealista con que Nolan dota a la acción, a los personajes y a una Gothan City que ya no parece la Londres victoriana de Jack El Destripador que ofrecía Burton, ni las Vegas de neones y color de Schumacher. Es una ciudad real, moderna y cosmopolita que bien podría ser la actual Nueva York. Este rasgo característico de Nolan se verá enormemente potenciado con su secuela, algo que ya desarrollaré en el post dedicado en exclusiva a la mejor película del pasado año.

El segundo elemento que hace que tengamos al mejor y más creible Batman es el guión. El libreto escrito conjuntamente por Nolan y Goyer es sin duda la piedra angular sobre la que se cimenta el resurgir del héroe de Gothan.

La idea era llevar a acabo un renacimiento (los americanos lo llaman re-born) del personaje, contando no solo la ya consabida trágica muerte de los padres de Bruce Wayne sino yendo más allá, mostrando retazos de la niñez del personaje; la estrecha relación de éste con su padre, el porqué escoge al murciélago como símbolo reconocible, el paternalismo de Alfred (genial Michael Caine), su amistad con Rachel Dawes… y cómo todo ello queda partido en mil pedazos por una mala jugada del destino.

A la traumática niñez le sigue una juventud alocada, llena de resentimiento y odio. Los deseos de venganza nublan la razón del joven Bruce Wayne y por poco, sucumbe a ellos. Pero entonces todo cambia, se cruza en su vida un hombre con ideales, un mentor del que aprender a canalizar el odio y convertir la venganza en justicia. Es cuando Bruce Wayne entiende que el mundo necesita algo en lo que creer; si fallan los políticos y la policía, entonces, debe existir un símbolo, un héroe que se eleve sobre la turbia moral de una ciudad decadente y sin valores, es el momento de que aparezca de entre las sombras Batman, el justiciero nocturno.

Para llevar a buen puerto todas estas ideas, Nolan parte de dos historias del cómic; “Batman: Año Uno” del ya mencionado Frank Miller y “El largo Hallowen” de Jeph Loeb y Tim Sale. De la primera toma elementos que le sirven para componer al personaje principal y al inspector Gordon e incluso toma prestada alguna escena (como la de los murciélagos que acuden a ayudar a su “señor”). La segunda le sirve para encontrar su tono, próximo al cine noire, con una presencia de la mafia como el mal que hay que erradicar de una ciudad perdida en sus vicios.

Los personajes

Para interpretar a toda una galería de personajes Nolan se rodea de un reparto excepcional encabezado por un Cristian Bale que comprende y siente su personaje, su dolor, sus deseos de venganza primero, su ideal de justicia después. Y aquí radica uno de los grandes aciertos del film, su personaje principal crece, evoluciona… y Nolan lo cuenta con pulso firme y decisión, y Bale se lo cree y todo ello hace que lo creamos nosotros, que entendamos el dolor de un niño que lo ha perdido casi todo, la rabia de un joven desorientado y la sublimación de un adulto hacia un símbolo que le hace ser más fuerte en su lucha por un mundo mejor. Por todo ello, no me cabe niguna duda, Cristina Bale ha sido, con diferencia, el mejor Batman que ha dado el cine.

Batman, una sombra que vigila. siempre al acecho

La segunda "gran sorpresa" (es un decir dado su enorme talento) nos la da Michael Caine que está maravilloso; igualmente creible en su faceta como el mayordomo Alfred que tiene que hacerse cargo del cuidado de un niño huérfano, sobrepansando sus obligaciones, comportandose como lo haría un abuelo, tratando con la mayor dulzura y cariño posibles a su nieto.

Morgan Freeman (la cantidad de grandes actores que hay en esta película) interpreta a Lucius Fox, como hombre de confianza en la Empereza Wayne y proveedor extraoficial de todo lo que Batman pueda necesitar para combatir el crimen. El otro gran aliado es el inspector Gordon, muy bien llevado por Gary Oldman.

En el lado de los villanos tenemos a un convincente Liam Neeson como Ra's al Ghul, mentor de Wayne primero y enemigo de Batman después. El otro villano comiquero lo interpeta Cillian Murphy ("28 días después") como El Espantapájaros, un psiquiatra más perturbado que sus pacientes y que es un adelanto de la perversión que supondrá el Joker en “El Caballero Oscuro”. Tom Wilkinson ("Full Monty") es Carmine Falcone, el capo de la mafia que campa a sus anchas por una ciudad sin ley. Y por último, Katie Holmes ("Dawson Crece") como Rachel Dawes, la amiga de la infancia que puede llegar a ser algo más y quizás, el personaje menos interesante y peor interpretado del un gran reparto.

Prueba superada

La película se estrenó en 2005 recaudando unos 400 millones de dólares, todo un éxito (aunque no tan rentable si pensamos que su presupuesto fue de unos 150 millones). Pero tan importante como su trayectoria comercial, fue ver cómo el retorno de Batman había convencido a crítica y público, quedando atrás los malos recuerdos y con la ilusión de que algo grande podía llegar unos años más tarde…

Así pues, el difícil examen fue superado con nota, merced a un buen guión, un reparto magnífico y un presupuesto bastante holgado. Con todo ello, Nolan había logrado resucitar a un personaje que, en realidad, nunca había muerto.

Me gustaría terminar este post de la misma forma que lo hace "Batman Begins" que, en sus más de horas de metraje, acaba con una escena-puente en la que el inspector Gordon advierte a Batman sobre un nuevo villano que está "haciendo ruido", al que le gusta la puesta en escena y con una firma muy particular que siempre deja en las escenas del crimen ...

Las mejores películas del 2008 (1) - 3ª Parte

2009-11-08T21:48:00.013+01:00

1995-1997: La (decadente) etapa Joel Schumacher

Pese al enorme éxito cosechado con las dos entregas de Tim Burton, parece que la Warner, la productora histórica de Batman, no había quedado satisfecha con el toque tan oscuro que Burton había dado al personaje por lo que la major decidió prescindir de los servicios del director de "La Novia Cadáber" y encargar la nueva película a Joel Schumacher, director impersonal donde los haya.

La idea era acercar al héroe enmascarado a un público más amplio, más familiar. Es por ello que se optó por un look más cercano a la serie de televisiva de los sesenta, dando mucha más luz y color a un universo que no lo necesitaba; No me parece tan mala idea que la saga, tras dos películas con un director con un estilo tan particular como el de Burton, cambiase "de aires" pero eso es una cosa y otra bien distinta es poner al mando de la nave a un director tan poco dotado y sin estilo propio como es el caso de Schumacher.

Analizando la situación no puedo evitar pensar que lo que quería la productora de la saga de “Harry Potter” era un director con menos personalidad que Burton, mucho más servil, alguien a quien poder hacer un encargo diciéndole exactamente como se quiere que lo haga, sin que haya ninguna objeción por su parte. Planteándolo así, parece que el director de "Jóvenes Ocultos" y "Lamada perdida" sí que podía ser una buena solución.

Pero si la elección de director fue mala, tampoco fue muy acertado el casting de actores. Como ha sido habitual en toda la saga, se contó con nombres famosos que ya habían demostrado su valía y/o tirón comercial delante de una cámara. Pese a ello, el resultado fue horrendo, lastrados de antemano por un mal guión y estando muy desacertados todos ellos, siendo incapaces de compensar, de alguna manera, unos personajes mal dibujados; unos héroes demasiado isulsos y faltos de carisma contrastaban con villanos pasados completamente de vuelta.

El reparto estaba encabezado por Val Kilmer (“El Santo”, “The Doors”) encarnando al peor Batman hasta al fecha (peor incluso que Adam West si tenemos en cuenta la diferencia de calidad actoral que separa a ambos). Los villanos eran un excesivamente histriónico Tommy Lee Jones (“El Fugitivo”, “Men in Black”) como Harvey Dent/ Dos Caras y Jim Carrey ("Mentirso Compulsivo", "C omo Dios") como Enigma, el cual parecía seguir actuando en “Ace Ventura”.

Para acompañar a Kilmer se contrató a Cris O’Donnel (“Esencia de mujer”, “Límite Vertical”) para que interpretase a un primerizo e inexperto Robin, y dando la razón a todos aquellos que pensamos que Batman es un lobo solitario que no necesita tener a nadie al lado para librar su cruzada personal contra los criminales de Gothan. La parte femenina corría a cargo de una inexpresiva y muy poco excitante Nicole Kidman (”Mouline Roige”, “Los Otros”) como la chica que sale con Bruce Wayne y que se siente igualmente atraída por la aureola de misterio que envuelve a Batman. Su presencia en pantalla palidece ante el recuerdo de la belleza y sensualidad de Kim Basnger y la mirada felina y el traje de cuero de Michelle Feiffer.

Con todo, la película estrenada en 1995 con el título de “Batman Forever” fue un nuevo éxito y la Warner, encantada con esta situación, volvería a contar con Schumacher para realizar la cuarta entrega.

Cartel de "Batman Forever" (1995)

Aunque la decisión de repetir director fue bastante desafortunada, al menos se tuvo a bien cambiar de rostro protagonista. Y el elegido no fue otro que el guaperas y carismático George Clonney, actor que había alcanzado enorme popularidad con la serie Urgencias (sobre todo en Estados Unidos). Con los años Clonney ha demostrado ser un buen actor (“Siriana”, por la que recibió un Oscar en 2005 o “Michael Clayton” son buenos ejemplos de ello) y un director interesantísimo (me encanta “Buenas noches y Buena suerte”) pero entonces, a finales de los 90, Clonney se encontraba en la situacion de aceptar casi cualquier cosa que le ofreciesen y poder interpretar a Batman era una de esas oportunidades que se deben aprovechar.

Clonney se tenía que ver las caras con Arnold Schwarzenegger ("Terminator", "Depredador") como Mr. Freeze y Uma Thurman ("Kill Bill", "Estigmata") como Poison Ivy, los dos villanos de la función. En este sentido el guión resultaba tan malo o peor que el la anterior entrega, componiendo unos villanos que parecían sacados de una película de serie B. Resultaban cómicos en el mal sentido de la expresión (aún recuerdo con escalofríos los chascarrillos de Mr. Freeze sobre su estado físico y habilidades como villano que te dejaban más frío que sus pistolas congeladoras . En cuanto a , Poison Aivy... es verdad que Uma Thurman estaba sexy a rabiar pero , al igual que con Mr. Freeze (de Bain mejor ni hablar), el personaje estaba escrito de una forma que rallaba lo ridículo y la actriz de “Pulp Fiction” no hacía tampoco mucho por evitarlo.

Pero si los malos eran ridículos los “aliados” de Batman eran ya para echarse a llorar. Cris O’Donell repetía como Robin, resultando igual de insulso y de fingido que en la cinta anterior. Y apenas me quedan ya adjetivos para calificar la interpretación de Alicia Silverstone ("Buscando a Eva") como Batgirl, peor incluso que la de Cris O’Donell. Como chica Wayne/Batman estaba la Top-model australiana Elle McPherson que, visto lo visto, no lo hacía del todo mal.

Cartel de "Batman y Robin" (1997)

Al contrario que las anteriores, “Batman y Robin” fue un fracaso comercial en el año de su estreno en cine (1997). La broma había rebasado lo tolerable, algo había cambiado, el espectador de cine veía a Batman únicamente como a un rico mujeriego rendido a sus caprichos, extravagante y superficial, justo la faceta que el Bruce Wayne del cómic había mostrado siempre para no levantar sospechas. El que fingía ser bufón se había convertido en el bufón de la corte; Batman había dejado de ser Batman para convertirse en una caricatura de sí mismo, para vergüenza de todos sus seguidores (Burton tenía que estar partiéndose de risa).

La carnavalesca puesta en escena, los rídiculos diálogos, los absurdos y cómicos personajes, los pezones en las armaduras... el Caballero de la Noche no merecía semejante maltrato, la saga necesitaba tomarse un descanso, un tiempo para reflexionar sobre el rumbo que había tomado la saga e intentar responder a uan serie de preguntas del todo pertinentes; ¿De veras era esa la mejor cara que podía ofrecer Batman?; ¿Era esa Gothan "alegre y festiva" de neones y purpurina la que servía al héroe para pasar desapercibido y actuar como una sombra sigilosa? ¿Necesitaba Batman una compañía tan inutil y lamentable? y la más imporatnte de todas: ¿Debía seguir Joel Schumacher al mando del timón de un barco que andaba a la deriva y estaba a punto de hundirse?... Me gustaría pensar que alguien con un poco de vergüenza y sentido común dijo ¡basta! ante tal desfachatez. Claro que, sabiendo que para Hollywood el cine es negocio y no arte, me inclino a pensar que en el motivo del cambio pudieron más los malos resultados comerciales que los artísitcos.

Sea como fuere, el caso es que la saga se tomó un largo y necesario descanso hasta que, en 2003, Christopher Nolan y David S. Goyer empezaron con el borrador de lo que sería dos años después "Batman Begins", la resurreción de un gran personaje llamado Batman.

Las mejores películas del 2008 (1) - 2ª Parte

2009-11-07T21:14:00.023+01:00

De la viñeta a la gran pantalla

A pesar de su estilo cutre y de lo ingenua y ridícula que podía llegar a resultar la serie protagonizada por Adam West en los sesenta, lo cierto es que esta tuvo éxito, hasta tal punto que en 1966 se rodó la que sería la primera película basada en el personaje de la DC.

Con un presupuesto de poco más de un millón de dólares, se trataba en realidad de lo que iba haber sido el episodio piloto de la serie y que no había podido ser rodado por falta de presupuesto.

Se respetó el reparto original de la serie de tal manera que Adam West volvía interpretar a Batman mientras que Burd Ward hacía lo propio con Robin. No es de extrañar por tanto, que la película mantuviese intacto el inconfundible estilo visual y narrativo de la serie, siendo un episodio, pero con más metraje y medios.

El film no aporta nada, ni a la propia serie de la que procede y aún menos al personaje pero (por desgracia) se hizo y lo correcto es comentarlo.

Dicho lo cual, ahora sí, comienza el repaso a las películas de Batman. Son tres etapas bien diferenciadas; los comienzos con el toque ocuro y gótico de Tim Burton, la colorista y luminosa mediocridad de Joel Schumacher y, la más reciente, con la elegancia y el tratamiento hiperrealista de Christopher Nolan. Empecemos pues.

1989-1992 La (oscura) etapa de Tim Burton

En 1989 el mundo del cine decía adiós (así se pensó entonces) a uno de sus grandes héroes, el carismático Indiana Jones, el personaje creado por Lucas, dirigido por Spielberg e interpretado con enorme fuerza y carisma por Harrison Ford . El testigo lo iban a recoger un casi desconocido Michael Keaton, que encarnaba al héroe enmascarado, y Tim Burton, el cual sí se había labrado ya un nombre en la industria con películas como "Eduardo Manostijeras" o "Beetlejuice" (esta última protagonizada precisamente por Keaton). Como único pero gran villano estaba El Jocker, un criminal con deseos de cambiar Gothan pero de un modo radicalmente distinto al de Batman. Con su histrionismo habitual (que encajaba muy bien con el personaje) Jack Nicholson componía un personaje de enorme carisma, con un negrísimo sentido del humor, un punto macabro y con un disfraz de payaso que le daba cierto aspecto aterrador.

Cartel de "Batman" (1989)

La película, estrenada en 1989, fue un enorme exito con una recaudación mundial superior a los 400 millones de dólares (su presupuesto fue de unos ajustados 50). La secuela estaba cantada.

Tres años después del estreno de "Batman" llegaba a los cines su esperada continuación. Con el titulo de "Batman Returns", y contando de nuevo con Burton en la dirección y con Keaton dando rostro al héroe protagonista, el éxito parecía más que asegurado. Y así fue, aunque algo menor que con la primera entrega (menor, por tanto de lo esperado). Parece que a un sector del público no le gusto que Burton pusiese más capas de oscuridad en un universo que ya era bastante oscuro.

Los villanos eran Catwoman, interpretada por Michelle Feiffer en el que siempre será su papel más recordado, y Danny DeVito como el Pinguino, increiblemente trasnformado con maquillaje y partes protésicas en disitntas partes el cuerpo.
Aparte de ser más oscura, "Batman Returns" resulta más entretenida que la anterior, posee un mejor ritmo y el hehco de contar con dos villanos en evz de uno dota a las situaciones da más variedad y dinamismo que en la primera entrega.

Pese a ser dos películas muy interesantes lo cierto es que al volver a verlas, con veinte años trasncurridos, queda la sensación de que no han envejecido del todo bien (especialmente la primera entrega). Entre sus fallos me gustaría destacar al propio Michael Keaton, al que le faltaba expresividad y ser más físico en las escenas de acción. Además, por momentos, el ritmo decaía, quedando un resultado algo irregular en conjunto. Por otra parte, son innegables los aciertos que poseen; su logradísima ambientación, el toque freak de Burton, los carismáticos villanos, el genial tema de Danny Elfman... Todos estos aspectos, en suma, hacen que estemos ante dos películas estimables, con sus fallos pero también con sus virtudes y son estas últimas las que hacen que ambos films sean recordados y mayoritariamente reconocidos, que no es poco.

Cartel de "Batman Returns" (1992)

En 1992 Batman se había convertido en todo un icono dentro de la cultura popular, había llegado a la cima y comenzaba una nueva etapa, sin Burton ni Keaton y con el deseo, por parte de su productora, de seguir exprimiendo una saga que, en manos de un mal director, se volvería irreconocible años depués para el mismo público que la había disfrutado hasta entonces.

Las mejores películas del 2008 (1) - 1ª Parte

2009-11-07T00:52:00.014+01:00

Tenía unos siete años cuando vi por primera vez "Batman" y ya entonces quedé fascinado con el personaje que interpretaba Michael Keaton. Fascinado por su enorme e inquietante presencia, por el juego que el personaje hacía con su doble identidad, Bruce Wayne/Batman, por el niño que había presenciado la trágica muerte de sus padres en manos de un vulgar ladrón y por el adulto en el que se había convertido, decidido a cambiar las cosas, a combatir la injusticia de un mundo sórdido, ahogado en su propia codicia. La figura de Batman suponía una luz de esperanza surgida de la oscuridad de la noche, sigilosa, acechante.

El nacimiento de un mito

Coincidiendo con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, el género del cómic de superhéroes vió nacer a algunos de sus personajes más carismáticos, tal es el caso de Superman (creado por Joe Shuster y Jerry Siegel en 1938) o el propio Batman (creado por los estadounidenses Bob Kane y Bill Finger en 1939; el mismo año que daba comienzo la guerra, con la invasión de Polonia por parte de la Alemania nazi).

Frente a otro tipo de superhéroes, Batman no poseía ningún tipo de poder extraordinario. Pero cuando Bruce Wayne se enmascaraba, dejaba de ser un hombre corriente para convertirse en algo superior a sí mismo; un símbolo capaz de provocar el temor entre los delincuentes y, al mismo tiempo, un símbolo en el que pudieran creer los ciudadanos de Gothan City.

De esta forma, Batman se presentaba como un héroe muy capaz pero sin abandonar del todo su condición humana, lo que le hacía más cercano al lector de cómics ávido de un tipo de aventuras más adultas y "realistas". Su primera aparición fue en una historieta dentro de la revista "Detective Comics" (nº 27, mayo 1939).

Portada orginal del nº 27 de "Detective Comics" (1939)

La fórmula funcionó y el éxito en papel del hombre murciélago le llevó a tener su propia serie televisiva en los años sesenta (entre 1966-68, con 120 epìsodios y una película). La serie, que se caracterizaba por un estilo visual colorista, unos diálogos de lo más ingenuos (¡Caspita Batman, el batmóvil se quedo sin gasolina!) y unos personajes y situaciones tremnedamente ridículas, hoy en día hace sonreír (y sonrojar) simplemente con ser mencionada a todo aquel que la haya visto alguna vez.

La serie para TV de Batman (1966-1968)

Afortunadamente llegaron los setenta y con ellos algunos autores que fueron capaces de devolver el necesario y característico tono oscuro que casi siempre ha poseido el personaje. La recuperación definitiva llegaría en los ochenta de la mano de Frank Miller y sus “Batman: Año Uno” y sobre todo, “Batman: The Dark Knight Returns”, considerada por muchos como la mejor historia en cómic sobre el guardian de la noche.

Las mejores películas del 2008 (2)

2009-03-16T20:26:00.036+01:00

NO ENTENDÍ LO SOLO QUE ESTABA HASTA QUE TE CONOCÍ

Fundada en 1979, bajo el nombre de The Graphics Group y como una división de Lucasfilm, Pixar se ha convertido por méritos propios en un referente -más allá de la animacion digital o del propio cine- de la cultura contemporánea, hasta el punto que, si un día viniera una especie alienígena a la Tierra -supongamos que para establecer una relación amistosa-, y si nosotros no intentásemos aniquilarla como acostumbramos, creo que la mejor forma de mostrarles lo que somos capaces de hacer como especie (lo bueno) sería invitándoles al cine a ver la filmografía de este portentoso estudio.
Se darían cuenta de que el ser humano es capaz de reirse de sí mismo, de autocriticarse, mostrando sin tapujos sus (nuestros) enormes defectos, siempre a través de la parodia. Tendríamos que admitir nuestra torpeza y crueldad cuando hacemos guerras sin sentido, pero entonces les enseñaríamos que, de igual modo, somos capces de luchar por aquello en lo que creemos. Si echasen un ojo a nuestro mundo, nos acusarían, con razón, de ser egoistas, y codiciosos, -dejando muchas veces de lado nuestra humanidad por intereses propios-. Pero una vez más, verían que también podemos ser cariñosos y sacrificados, siendo capaces de hacer lo que sea por aquellos que nos importan.
En definitiva, si tuviésemos que hacer una carta de presentacion para mostrarnos tal como somos, pero queriendo sobre todo dar la mejor impresion posible, tendríamos entonces que preparar una cesta con "Toy Story" (1 y 2), "Bichos", "Monstruos S.A"., "Buscando a Nemo", "Los Increibles," "Cars," "Ratatouille" y, por supuesto, "Wall-E", la última obra maestra de Pixar.
Que un robot que tiene por rostro unos prismáticos sea capaz de despertar en el espectador tanta ternura, da buena muestra de que con ingenio, talento y medios todo es posible, incluso que un robot sea más humano que sus propios creadores de carne y hueso.
Como unidad de limpieza, Wall-E pasa sus dias limpiando la Tierra, un planeta abandonado por la humanidad que lo contaminó sin escrúpulos hasta hacerlo inavitable. Es en este escenario de vergüenza ajena y propia donde "trabaja" el entrañable robot, -que nos recuerda en los primeors compases del film a genios del cine mudo de la talla de Buster Keaton o Charlot- recogiendo y reciclando basura, un día tras otro, todos los días del año... durante 700 años, olvidado a su suerte, con la única compañia de una cucaracha que tiene por mascota.
De alguna manera, nuestro querido protagonista de ojos saltones, (que tiene como referente pasado a los prismáticos andantes que tenía el Andy de la mítica y primigénea"Toy Story"en su habitación, junto a otros juguetes como los propios Woody o Buzzlightyear) ha desarrollado su propia personalidad con cualidades propiamente humanas. De forma rigurosa, cumple cada día la tarea para la que fue programado, pero Wall-E tiene la afición de ir recolectando objetos entre la basura que tienen alguna cualidad que los hace únicos; tal vez su color, quizás su forma o textura... Definitivamente este robot es especial.
Y qué hay de su soledad; puede que Wall-E sea un lobo solitario pero estas son las circunstancias, no su carácter porque él, aquí donde lo véis, es un romántico empedernido, que antes de acostarse pone, cada noche, un ratito "Hello Dolly" (quiero creer que en Betamax) para poder soñar que no está solo y que en alguna parte se encuentra su amor, aquel que le complete y con el que poder compartir su vida... de basura y reciclaje.

Parecía una mañana como otra cualquiera, yo estaba haciendo cubitos con la basura, tratando de poner un poco de orden y coherencia al desaguisado que habían hecho mis creadores mucho tiempo atrás y, de pronto, apareció ella, por sorpresa, -venida del cielo,- con su preciosa y birllante carcasa blanca, con sus sinuosas curvas y cadenciosos y sugerentes movimientos... tan sexy... me enamoré al instante.
Se llama Eva no es muy habladora pero tampoco es que yo lo sea, ademas, nos basta con la mirada para entendernos. El otro día la invité a mi casa, le enseñé mis viejas cintas de video. Le puse mi favorita, "Hello Dolly" y le mostre -para imoresionarla- mis dotes en el baile de musicales de cine (es el único que conozco pero se me da muy bien). No parece entender del todo lo que trato de enseñarle y es un poco bruta pero no me importa, nadie es perfecto, yo la quiero tal como es.
Un buen día sucedio algo extaño; vio una planta, parecía estar muy contenta pero entonces, de repente, cerro los ojos, bajo los brazos y no volvió a hacer ni decir nada. En realidad fue un mal día.
No se qué paso pero no pienso dejarla sola, da igual que llueva, que caigan rallos, o haga frío, pienso estar con ella porque la quiero... no entendí lo solo que estaba hasta que te conocí .
Pasaron semanas hasta que llegó de nuevo una nave. Se trataba de la misma nave en la que había venido, la misma nave que un buen día llegó (este sí fue bueno), trastocando mi mundo, dándole sentido a mi hasta entonces, pequeña existencia. Trataban de llevársela pero no les pertence... mi corazón le pertenece así que iré tras ella, haré lo que sea, incluso dejar de reocger y reciclar basura, lo que sea...

Este es el secreto de Pixar; son capaces de crear historias con disitntas capas de pintura, de tal modo que poco importa que seas un crío, un adolescente o un adulto, a todos nos atrapan de alguna manera, sin remedio.
Juguetes que reivindican su lugar en el mundo, insectos que descubren un inesperado valor con el que combatir las injusticias, coches de carreras que aprenden a valorar lo antiguo o ratas con talento culinario, todo esto y muhco más es Pixar y da igual lo que hagan; siempre aciertan. Este estudio comprendió -desde el primer momento- que los sentimientos son universales y tienen un código y mil maneras de ser expresados y Pixar las conoces todas, o tal vez solo una pero con esa le basta para conmovernos, para hacernos creer que existe un mundo mejor, que las personas somos capaces, tambien, de hacer cosas grandiosas. Si alguna vez tengo un encuetro con una espcie extraterrestre intentaré recordar que la primera palabra es fundamental y no diré hola, dire Pixar, seguro que es un buen comienzo para una bonita amistad.

P.D. De entre las muchas imágenes que hay en internet he esocgido esta por una razón; al igual que Wal-E creo que no hay nada mejor para conquistar a una chica que hacerla reir...

Especial Oscar 2009

2009-02-24T21:02:00.024+01:00

CUANDO HOLLYWOOD PASÓ A LLAMARSE WOLLYWOOD

Si por algo va a ser recordada esta ceremonia es por ser el año en el que la industria cinematográfica más poderosa del mundo dejó de lado su habitual patriotismo y encumbró a una película británica pero con un clarísimo sabor (y color) a India. ¿Sobrevalorada?, ¿justa merecedora?... como diría Jack el Destripador; "vayamos por partes", comentando cuales han sido los puntos más destacados de los Oscar de este año:

1. Un gran arranque para una gala muy divertida.
Cuando hace unas semanas se anunció que Hugh Jackman alias "Lobezno" iba a presentar la gala surgieron muchas dudas entre los aficionados, la prensa y la propia industria. A título personal, soy de los que prefiere conceder el beneficio de la duda antes que opinar contaminado por prejuicios que en muchos casos, teminan cayendo por su propio peso. Sabía además, que Jackman había hecho teatro y musicales en su Australia natal -antes de convertirse en la estrella que es hoy. Creo, por último, -y como bien se pudo comprobar- que Huhg (somos colegas no le importara que le tutee) es un tipo con enorme presencia y mucho carisma. Estaba claro pues, que nos podían ofrecer un espectáculo si los guionistas estaban a la altura de las circunstancias y dejaban hacer al presentador, bailando, cantando, "en su salsa". Y vaya que si lo estuvieron...
El resultado fue sencillamente espectacular, con un Jackman (volvemos a las formalidades), entregado, afinadísimo (menudo bozarrón), con una agilidad pasmosa y llevando el ritmo en todo momento. Los guionistas pusieron el resto con unas referncias muy divertidas a las prinicpales nominadas y demostrando que no hay dolar mas verde y valioso que el ingenio. Despues de este gran arranque, el mejor en años, a servidor ya le tenian comiendo en su mano (la de los organizadores-prodcutores, temerosos hombres de Dios... de esa diosa llamada audiencia a la que hay que idolatrar, sacrificios incluidos). Poco faltó para que el Kodak Theatre se viniera abajo, con un público asistente -empezando por los nominados en primera fila- rendido, poniéndose en pie y ovacionando al actor australiano.
A mitad de la ceremonia se marcó otro baile acompañado por una guapisima Beyoncé y algunos actores más que hicieron un "popurri" con las canciones de algunos musicales recientes ("Mamma Mia") y pasados ("Grease"). Una vez más, el número musical fue estupendo y arrancó la ovacion de los asistentes. Un diez a Jackman y a los oraganizadores por saber hacer las cosas con un sentido del espectáculo que -hoy en día- solo los norteamericanos saben hacer, le pese a quien le pese.

2. Pedrooooo... digo Penelopeeee....
Lo siento, no he podido evitarlo, es juntar en la misma frase Penelópe Cruz y Oscar y venirme a la cabeza el momento grito, salto y me agarro el vestido que se me cae y tenemos un disgusto. En fin, que un año más tenemos a un español(a) dejando su impronta en la historia de los premios más mediáticos del mundo. Qué decir del Oscar; pues que aunque me elegro por ella, no menos cierto es que no lo merece. Viola Davis y Amy Adams, intérpretes de "La Duda" lo hacen bastante mejor pero la madrileña de Alcovendas -algo de lo que dejó constancia en su discurso- cae bien en los Estados Unidos y como se suele decir; más vale caer en gracia... Esperemos que a partir de ahora le ofrezcan papeles de más calidad y no tanta bobada (sino, siempre quedará Almodovar).

3. Resurreccion incompleta.
Fue la gran sorpresa de la noche. Se daba por sentado que Mickey Rourke ganaría el oscar al mejor actor principal por "The Wrestler", más que nada porque lo habia ganado todo hasta ese momento. Pero entonces, apareció Michael Douglas, abrió el sobre y dijo: ".. and the oscar goes to... Sean Penn".
Eran las 5:30 de la madrugada y mi guauuu!!! seguro que despertó a más de un vecino. Mi opinión es clara al respecto; Sean Penn es un ACTOR con mayusculas y su papel en "Milk" (dando vida a Harvey Milk, el primer homosexual en ocupar un cargo relevante en la política estadounidense) es fantástica. Sin caer en el estrionismo o la sobreactuacion, Penn compone de manera comedida un personaje verosímil, que sientes cercano, dulce y entrañable, pero también fuerte, obstinado y decidido.
Es un gran papel, igual de merecedor que el del Randy "The Ram" Robinson que interpreta Rourke. Respecto a este ultimo, situado de nuevo en el mapa actoral, esta experiencia le tiene que servir, de ahora en adelante, para crecerse; como un reto que superar. La resurrección no ha sido comlpleta pero en él está subirse de nuevo al cudrilatero y seguir ofrenciendo espectáuculo, a imagen y semejanza del personaje que tan bien ha interpretado.
Un último apunte antes de pasar al siguiente número; el de Sean Penn fue el mejor discurso de toda la noche. Elegante en las formas y relajado en el fondo, sus palabras estuvieron cargadas de reivindicaciones, apelando y defendiendo los mismos derechos y libertades por las que tanto luchó el verdadero Harvey Milk.

4. ¿Mombay o los Ángeles?
En un foro -en el que ibamos comentando lo que estaban dando de sí los Oscar- decía un colega -con bastante sorna- que el premio al mejor actor se lo iban a dar a Ben Kinsgley por "Ghandy". Lo jocoso del comentario no hacía sino recoger el malestar de muchos cinéfilos (esa especie de secta de la que formo parte) totalmente en desacuerdo con la aplastante victoria de "Slumdog Millionaire". En las proximas semanas comentaré sobre las principales pelíulas nominadas asi que no voy a detenerme mucho sobre qué me pareció el film de Danny Boile (director de "Trainspotting" y "28 días después"), pero sí que voy a opinar sobre los ocho oscar que se llevo; son demasiados. Quizás, los que más escocieron fueron los de mejor película y director.
Eso no quita para considerar a "Slumdog..." una buena película. Su mayor virtud está en saber contar, de forma original, una historia de sobra conocida (lo dura que puede llegar a resultar la vida para unos niños en un ambiente de miseria y la capacidad de estos para sobreponerse a las adversidades). Goza de buen rtimo -especialmente la primera parte- es divertida y entrañable, dejando finalmente la sensaciónde haber visto algo que merecía la pena. Se podrá o no estar deacuerdo con los valores y creeencias que plantea y defiende, tales como el destino -como fuerza invisible que rige nuestras vidas- o el amor -que todo lo puede-. Pero independientemente de esto, es innegable que la película desprende simpatía y termina llegando; por su historia, por sus personajes, por su colorido, por Mombay... A falta de ver "El curioso caso de Benjamin Button" (la otra gran favorita y finalmente perdedora de la noche) no me parece mala elección la de "Slumdog... "claro, que en mi caso, parto de una premisa; una mezcla de desacuerdo y descontento, porque para este que escribe, faltaban una serie de películas olvidadas (dando la razon a quienes afirmamos que no siempre ganan las mejores).

5. Los (injustamente) olvidados
Tres nombre propios: "Batman: The Drak Night": 2 míseros oscar (menos mal que se premió la mejor interpretación del año; la de Heat Ledger). "Wall - E": cortísimos se quedaron los académicos con el oscar de mejor película de animación. Y "Revolutionary Road"; la película de Sam Mendes, por la que tenáin que haber premiado a Kate Winslet -sin desmerecer su papel en "The Reader", por el que finalmente le dieron el oscar- y la injusta ausencia de un gran Leonardo Di Caprio. Aunque me falta por ver alguna película, me atrevo a aventurarme y considerar que estas tres deberían haberse repartido los premios, o al menos haber tenido algo más de reconocimiento. Pero una vez más, entre los académicos, se anteponen otros criterios, o mejor dicho; falta de criterios, que escapan a mi limitado entendimiento. Es un tema extraño y largo de explicar pero también interesante (nota mental: hacer una entrada sobre ello).

6. Los que nunca olvidaremos.
2008 ha sido un mal año para los que amamos el cine. Nos han dejado autenticos pesos pesados de este -a veces- maravilloso arte. Empezando por ese mito que es Paul Newman; grande entre los grandes, magnifico actor, con una mirada intensa y un carisma descomunal. Siempre te recordaré por esa joya que es "La gata sobre el tejado de zinc". No menos alargada es la figura de Charlton Heston; actor que dió vida a personajes tan míticos como el Moises de la épica "Los Diez Mandamientos" o a Judá Ben-Hur, en la grandiosa (y homónima) "Ben-Hur".
Surgieron otros nombres importantes como el de Sydney Pollack, actor pero sobre todo director de clásicos como "Tootsie" o "Memorias de África" o el mismo Ledger, que ya fue nombrado en los oscar del 2008 al haber fallecido en enero.
El mayor y mejor consuelo es saber que una de las grandes virtudes que tiene el cine -sobre todo para los actores- es que inmortaliza a sus artistas; Aunque ya nos estéis entre nosotros siempre nos quedará vuestro trabajo, como un recuerdo imperecedero en nuestra memoria (colectiva). Voveréis a la vida -con las generaciones venideras- una vez tras otra, por siempre, cada vez que alguien vea una película vuestra. Entonces llegaréis a su corazon, grabando vuestra imagen en su retina, etérnamente jóvenes, almas inmortales.

7. Despedida y cierre
Mereció la pena. Es lo que respondo cuando me preguntan cómo pude ser tan insensato como para quedarme hasta las 6 de la madrugada teniendo que trabajar pocas horas después. Podría ir de listillo y decir: "Me lo pregunta alguien que ha ido a clase de empalmada y con mal cuerpo tras una noche de bares, amigos y alcohol, mucho alcohol... (touché)... Pero con los años uno se vuelve más sabio y calmado (igualito que Sean Penn). Así que me armo de pacencia y respondo serenamente aquello de que todos hacemos cosas, tonterías a los ojos de los demás, cuando nos gusta algo y creemos que merece la pena; es como el que hace acampada a la intemperie durante un par de días para sacar entradas del concierto del grupo tal... (pringaos).
Así que lo repito una vez más por si no ha quedado claro: mereció la pena y lo volvería a hacer. "Solo" por disfrutar de un gran arranque, por ver a "Pe" recoger su oscar, por hacerse justicia con esa gran actriz que es Kate Winslet, por el corte de mangas (y van...) de Pixar a Dreamworks (demostrando que a veces sí ganan las mejores, aunque insisto, la pelicula merecía más)... Si queréis más argumentos ahí van estos: el oscar y discurso de Sean Pean, el de Ledger -recogido por sus padres y hermana-, el recuerdo de Paul Newman... Cuatro horas de puro espectáculo, de emociones y sorpresas, todo esto mientras comía "cruasanes" y tomaba colacao... ¿insensato yo?; mira que hay que tener paciencia con algunos...
PD. Me he dado cuenta de que soy muy susceptible a estímulos externos; después de la gala me entraron ganas de comerme un kebab...

Las mejores películas del 2008 (3)

2009-02-19T20:13:00.015+01:00

TODOS SUFRIMOS POR IGUAL

Corría el año 2001, servidor era un jovenzuelo de apenas 18 años que disfrutaba de la vida sin preocupación alguna. Estudiaba entonces el ya casi olvidado COU (los de mi año, 1983, fuimos los últimos en hacerlo, al igual que el BUP). Una de las asiganturas que recuerdo con más cariño de aquella época es Hisotira del Arte. A diferencia de otras, no me limité a estudirala por cumplir las exigencias del guión. Realmente la disfruté, convirtiéndose en algo estimulante en una época algo anodina para mí (aunque eso es ya otra historia).
Parte de la culpa de que guarde tan grato recuerdo la tuvo mi profesora de arte, que te transmitía en cada clase la pasión y el cariño que sentía por esta asignatura, de la que me vienen un montón de imágenes (obras) a la cabeza. De entre todas ellas, me gustaría rescatar intencionadamente una; "Los fusilamientos del 3 de mayo", de ese genio aragonés nacido en Fuendetodos y que responde al nombre de Francisco de Goya y Lucientes.
Más allá de sus muchas serigrafías, de los numerosos retratos de la aristocaracia en tiempos de Carlos IV, de sus majas y aquelarres, más allá de todas ellas, la pintura que más me impácto fue este cuadro enmarcado en el periodo del pintor conocido como Los desastres de la guerra, sobre la Guerra de la Independecia Española.
El mayor logro de la obra reside en haber sido capaz -a partir de un hecho histórico muy concreto y localizado-, de ir más allá del marco impuesto, convirtiéndose en paradigma de aspectos trascendentales como el dolor y la barbarie humanas. En este sentido, "Los fusilamientos..." no es una aproximacion al sentir de un reducido grupo de hombres que se han levantado en armas ante el invasor y ahora pagan las consecuencias. No, no es eso. Lo que realmente tenemos entre manos, ante nuestros atónitos ojos, es la plasmacion del propio dolor humano, de la barbarie misma. Es la agonía del que sabe que va a perder su vida y esto es algo que no necesita por tanto nombre, ni país... Es el sufrimiento del ser humano, no como individuo particular sino como conccepto. Es por ello que cualquiera puede identificar la tragedia de la guerra y de la propia condicion del ser humano. No importa de donde seas ni las creencias que tengas, lo ves, lo percibes y lo sientos, así de simple.
A partir de entonces, de estudiar la obra, de entenderla y de sentirla, la tengo como recordatorio y referente cuando me enfrento a cualquier cosa que termina siendo más de lo que aparenta.
Esto es justamente lo que me pasó con"4 meses, 3 semanas y 2 días" ("4 luni, 3 saptaminisi, 2 zile"), justa merecedora de la Palma de Oro 2007 en Cannes.
La película dirigida por Cristian Mongiu nos situa en la Rumania de finales de los ochenta, con el último aliento del comunismo -personificado en la figura del dictador Chauchescu-.
Otilia y Gabita son dos universitarias que comparten habitación en una residencia de estudiantes de una pequeña ciudad de Rumania. Gabita está embarazada y no tiene intención alguna de tener el bebe por lo que decide abortar. El problema es que por aquel entonces, esta práctica estaba prohibida y, por tanto, penada. Como cabría esperarase, la situación requiere dinero y máxima discrección. Además, Gabita pide a Otilia que le acompañe en el "proceso", para no estar sola y también algo más segura ante lo desconocido.
Lo que se presenta como una situacion relativamente sencilla, se va complicando cada vez más hasta llegar a momentos de enorme tensión, en los que se masca la tragedia. Todo es demasiado oscuro, demasiado sucio y asquerso como para ser cierto. Es entonces cuando percibes que las interpretaciones son tan creibles que estas compartiendo la desesperacion de sus protagonistas, especilamente la de Otilia que termina convirtiéndose en la verdadera protagonista de la historia. Nos ponemos nervisosos con ella, nos fumamos sus cigarros para tranquilizarnos, y sentimos casi el mismo asco y repugnancia que siente ella ante algo que no voy a revelar. Al final quedamos exhaustos, heridos y maltrechos y lo único que nos queda es aferrarnos a la necesaria creencia de que acabamos de vivir el peor capítulo de nuestras vidas; todo lo que venga a partir de ahora difícilmente puede ser peor.
Todo este cúmulo de sensaciones -siempre negativas- es posible porque la película va más allá de lo que cabría esperarse. Como en el cuadro de Goya, no estamos ante una situacion concreta en un lugar y tiempo determinados o mejor dicho, sí que lo estamos pero la sensación de urgencia y el insitinto de sueprvivencia no son exclusivos de nadie; da igual la cultura, no importa el país; en todos los sitios hay personas necesitadas y auténticos crápulas que aprovechan la situación, amparados en las reglas de un mundo amoral del que nada se puede esperar ni reclamar desde el momento en que se traspasa la línea que distingue lo legal de lo que no lo es.
Termina la película y sin darme cuenta acabo recordando aquel 2001, cuando servidor era un jovenzuelo de apenas 18 años que disfrutaba de la vida sin preocupación alguna... Y no puedo evitar pensar entonces, lo tenebroso que se vuelve el mundo cuando te haces adulto. Echo de menos las clases de arte, sí.

Las mejores películas del 2008 (4)

2009-02-13T19:32:00.014+01:00

ALL I WANT IS YOU

Mi nombre es Juno, aunque no lo parezca tengo 16 años, soy ingeniosa, bastante aguda y analítica. Tengo un buen padre y una madrasta que, por poco, escapa del perfil instaurado a partir de Walt Disney con Blancanieves. Tengo un hermano pequeño algo bobo (cosas de la edad) y un perro. Y bueno, también está él, es algo cortado y un poco pánfilo -lo justo para parecerme adorable pero no resultar un completo memo-.
Todo nos iba moderadamente bien hasta aquella noche. No voy a negar que sentía curiosidad y que aquel momento, en el sofá, fue especial. Estaba muy nervioso, tartamudeaba sin parar, sin saber como ponerse y diciéndome unas cursiladas que... el muy tonto...
Pero un maldito color lo ha cambiado todo, parezco un surtidor de tanto mear pero no hay forma; una prueba tras otra el mismo color, maldito color... el muy tonto...
Despues de las buenas vibraciones que nos dejó con su ópera prima; la acidísima "Gracias por fumar" (2005), Jason Reitman volvía tras las cámaras con"Juno", la sensación "indie" del pasado año .
La película parte de lo que es un gran problema; el embarazo no deseado de una adolescente, pero resuelto con relativa sencillez, sin entrar -o pasando de puntillas- por ciertos aspectos bastante menos complacientes. Es aquí donde me gustaria hacer un paréntesis y explicar la forma de ser y de ver las cosas que tiene un norteamericano frente a la de un europeo.
Dentro de unos días aparecerá en esta lista "4 Meses, tres semanas y dos días"; película rumana ambientada en aquel país durante la dictadura de Chauchescku, y que parte de la misma premisa, pero con un tono bien distinto.
En el mundo de Juno se impone lo pragmático, no hay sitio ni tiempo para el drama, afrontandose los problemas con agudeza e ingenio -valores que encajan perfectamente con el espíritu americano-. Mucho tienen que ver en esto unos personajes que rebosan carisma y autenticidad pero en los que no hay aristas, no hay objecciones ni peros. Son todo compremsión.... No tengo nada que objetar a esto, es más, creo que sería lo ideal; que las personas tuviésemos esa capacidad - y facilidad- de poder encajar con tanta madurez las cosas y poder superarlas con esa sencillez, sin tantas trabas...
La experiencia me dice, en cambio, que la realidad es bastante más compleja, cuando no dura. Y es aquí donde Europa, la "vieja" Europa mil veces destruida y otras tantas levantada, tira de memoria y nos muestra una historia mucho más cruda, no mejor, pero sí más cercana al mundo en el que vivimos. Insisto, la propuesta de "Juno" es igual de valida que la de "4 meses...", es más, ambas películas se complementan perfectamente, siendo la cara y la cruz de la misma moneda, pero en mi opinión, cuando lanzamos esta moneda al aire, suele salir cruz, una cruz poco agradable pero que no deja de ser fiel reflejo de la realidad.
En todo caso, recomiendo ver las dos, para comprobar así cuán diferente resulta el modo que tenemos las personas de afrontar las cosas, según la cultura (lugar) a la que se pertenezca y el tiempo en el que se viva. Y esto no es bueno ni malo, simplemente es distinto. Todos somos hijos de nuestro tiempo y el cine -como vehículo de expresión(es)- también.
Volviendo a "Juno" (en realidad creo que nunca me fui), si está en un puesto tan destacado es porque virtudes no le faltan.
Para empezar tenemos una galeria de personajes perfectamente construidos; el padre comprensivo, la madrastra que no lo es tanto, el novio bobalicón y entrañable al que se coge cariño... y, por su puesto, Juno; una adolescente de lo más ingeniosa y aguda, y de una madurez que por momentos nos hace olvidar que estamos ante una chica de su edad. Todos ellos magnificamente interpretados, destacando -como no-; Ellen Page, actriz de edad indefinida y que, definitivamente, tiene algo que la hace especial, no solo como actriz, también como chica (esto no es, en nigún caso, una declaracion previa a San Valentín).
Pero por encima de un reparto entregado, de una direccion bastante limpia y algo videoclipera, y de una gran banda sonora, por encima de todo esto, lo que hace que Juno sea una buena película es su guión. Un guión que desarrolla unos personajes bien definidos, de enorme carisma y con ingeniosas frases, que dan como resultado unos diálogos dinámicos y muy divertidos. Merecido Oscar, por tanto, para la "polifacética" Diablo Cody, que sorprendio a propios y extraños haciendo suyo aquello de que las apariencias engañan.
No puedo despedirme sin mencionar la banda sonora; un gran recopilatorio con temas de Kimya Dawson, Bella & Sebastian, Sonic Youth, Mott The Hoople (como me gusta ese "All The Young Dudes") y, por supuesto, la versión de “Anyone Else But You” que cantan Ellen Page y Michael Cera, en esa entrañable escena que pone punto y final a la película... y a esta entrada en el blog también. Hasta la próxima.

Las mejores películas del 2008 (5)

2009-02-10T21:26:00.017+01:00

INFANCIA ROBADA (Y EL PECADO DE SER MUJER)

La niñez es la única etapa en la vida de una persona en la que la inocencia es pura y genuina, atributos que jamás se vuelven a tener, por muy bien intencionado que trate de ser uno. Otro rasgo característico de esta etapa es la curiosidad, las ganas de saber, de conocer el mundo que nos rodea, preguntando a nuestrso sufridos padres esto y aquello, y también lo otro, por preguntar que no quede.
Mientras que en los adultos es casi un pecado, en los niños la ingenuidad resulta entrañable. Como recién llegados que son y faltos -por tanto- de experiencia, sus mentes son como libros con paginas en blanco donde hay mucho que escribir; grandes y pequeñas palabras y algún que otro tachón que no dejan de ser lecciones que se aprenden a lo largo de la vida.
Y no puedo olvidarme de mi preferida: la imaginación, el arma más poderosa de un niño, de hecho, la única que debería portar, un pincel capaz de pintar los paísajes más bellos y oníricos, y que tiene en los juegos, su mejor lienzo.
Siempre he pensado que los mayores perjudicados en una guerra son los niños porque borra de un plumazo lo que supone serlo. Son las exigencias de un mal guión en el que no hay ni una sola línea que hable de poder ser niño, de poder aprender, de poder jugar, de poder actuar con inocencia e ingenuidad. Los roles a interpretar son todos de personajes mayores. Se les pide que sean adultos sin serlo.
Si todo lo dicho no fuera suficiente, "Buda explotó por vergúenza" añade un ingrediente más a esta tragedia; ser niña en un regimen donde la mujer no tiene derecho a serlo.
El punto de partida de esta gran -a ratos entrañable, y finalmente estremecedora- película, es la de la llegada al poder, en 2001, del regimen taliban en Afganistan. Una de las imágenes que más dió la vuelta al mundo -y con la que arranca la película- fue la de la explosion del gran Buda, formándose en su lugar unas cuevas en las que empezaron a "vivir" familias.
La directora Hana Makhmalbaf -con tan solo 18 años- hace un reatrato demoledor de lo que ha supuesto para la mujer, en su país, la instauración de una dictadura machista y retrógrada (realmente me quedo corto) que antepone su visión -profundamente radicalizada y fundamentalista- del Islam, a la vida misma . Y lo hace de la forma más dolorosa posible, a traves de los ojos de Baktay -una niña afgana de seis años- protagonista abosulta de la historia.
A caballo entre el docmunetal y la ficción, asistimos a una lucha imposible; la de querer ser niña en un mundo de hombres. Baktay quiere ir a la escuela para aprender a leer los maravillosos relatos que el hijo de sus vecinos le cuenta. Su enorme tenacidad y coraje hacen que supere los puntuales obstaculos que va encontrando por el camino. Pero nada se puede hacer contra la realidad más dura y cruel, contra un monstruo que pega un zarpazo donde más duele, en el corazon de una personita que pronto entenderá que en su mundo ser niña es, además de un pecado, una maldicion.
Como en la mágnifica y sobrecogedora "Las tortugas tambien vuelan", se nos recuerda que en la guerra no hay sitio para la infancia y, en países como Afganistan además, tampoco lo hay para las mujeres que prentenden serlo.
Como ser de la misma especie, siento una mezcla de rabia y frustración al ver lo que somos capaces de hacer -y de no hacer; ¿dónde están esos organimos internacionales que llevan el principio de humanidad por bandera y miran a otro lado cuando conocen de primera mano lo que sucede?-. Ante semejante panorama, terminas entendiendo por qué Buda explotó por vergüenza.
Independientemente de su calidad, estamos ante una película necesaria por aludir a un drama vigente, y que parece estar lejos de concluir. Una útima cosa a los que dicen que ya son demasiadas películas hablando sobre el mismo tema; nunca son sufcientes.

Sueños rotos

2009-02-08T22:01:00.025+01:00

Tengo que hacer un alto en el camino, sin alejarme de mi elemento natural pero dejando de lado, por un instante, la lista, mi lista.

Acabo de ver "Revolutionary Road", el último trabajo de Sam Mendes, director que deslumbró a crítica y público hace ya diez años con "American Beauty", sátira cargada de humor negro y de un cinismo tan radiante como los pétalos de rosa que cubrían el virginal y deseado cuerpo de Mena Suvari.

Como en aquella, Mendes vuelve a cargar las tintas en la sociedad norteamericana, poniendo el dedo en la yaga que más duele; en la clase media-alta, aquella que representa(ba) como ninguna otra el falso sueño americano, -uno de los pilares en los que se ha apoyado el orgullo patrio de un país que nunca fue para tanto.

La película transcurre en los cincuenta, momento de bonanza económica, tras recoger los dividendos de la inversión que supuso la Europa de la posguerra. El bienestar social que atravesaba el país justifica plenamente el capitalismo -más allá de lo económico- como modelo de vida.

Ante esta situación, la única preocupación que debía tener el ciudadano medio era la de encontrar un empleo bien remunerado, con el que poder adquirir una bonita y espaciosa casa en la que poder criar -siempre la mujer como eficiente ama de casa que era- a toda una prole de vástagos, cuanto más numerosa mejor, "más felicidad" para el hogar.

Es en este -en apariencia- idílico paisaje donde aparecen en escena los personajes interpretados por Kate Winslet y Leonardo Di Caprio; dos jóvenes inteligentes adelantados a su tiempo, con un alto concepto de sí mismos, y unas expectativas de futuro mayores si cabe.

La mujer que interpreta Winstlet es una soñadora despierta que anhela una vida mejor, alejada de los convencionalismos marcados a fuego por la sociedad en la que vive.

Convencida de poder ser lo que se proponga y sabedora de que el viaje será largo y tortuoso, ve, en el personaje que interpreta Di Caprio, al compañero ideal de viaje, con el mismo espíritu aventurero y emprendedor que ella. Los planes están hechos, las maletas preparadas, nada puede fallar...

Suena el despertador, lo apaga. Ella es la priemra en levantarse. Prepara, como siempre, el desayuno de su marido y dos hijos. Él se marcha al trabajo algo nervioso, pensando en la reunión que tendrá con su jefe. Los niños se apresuran en acabar las tostadas para que no se les escape el autobús que los lleva a la escuela cada mañana. Se marchan.

Se queda sola en la casa, recoge la mesa y se pone a fregar los cacharros del desayuno, con la mirada en el infinito. Como era de esperar, se le cae un plato. Al recoger los pedazos se corta la mano con uno de ellos. Sangra y siente dolor. Sin saber bien cómo, el dolor empieza a extenderse por todo el cuerpo, hasta convertirse en un sentimiento apenas soportable. Se angustia, no entiende lo que está pasando. Sube corriendo las escaleras, llega al baño. Se cura la herida de la mano y cuando cierra el armario donde guarda las vendas y el desinfectante, se mira en el espejo y cae en la cuenta de que han pasando los años y con ellos las oportunidades de haber podido marcar la diferencia, de haber sido unas estrellas que brillasen con luz propia en un firmamento de mediocridad y sopor.

Sin tiempo que perder, va a la cómoda de su habitación, abre el cajón y saca, con nerviosismo, el album de fotos, las de hace años, buscando culpables.

El destello que ella vio en sus ojos -y que le llevó a enamorarse de él- ha desaparecido, dejando en su lugar una mirada triste, llena de resentimiento hacia sí mismo, por no haber tenido el valor de hacer las cosas tal como las habían imaginado tiempo atrás.

Cada día que pasa es un recordatorio del fracaso cotidiano. Encerrados en las cuatro paredes de su casa, respirando un aire irrespirable, cargado de decepción y de odio.

Esperábamos hacer una revolución, seguir el camino que nos llevase hasta el cielo y poder acariciarlo. Entonces le regalaríamos nuestra radiante luz y todos nos señalarían cuando lo mirasen, en una preciosa noche de verano. Teníamos buenas ideas, la juventud necesaria para llevarlas a cabo, fuerzas de sobra para levantarnos después de cada tropiezo, y la inteligencia suficiente para dejar atrás a la ignorancia... Pero al final sucumbimos al miedo a un fracaso ficticio, a la placentera comodidad de lo fácil, nos mentimos, quisimos creer que todo estaba bien. Sí, nos mentimos, pero no pudimos engañar a la realidad, que un día vino a nuestra puerta, sin avisar. Nos miró, desamparada y furiosa a la vez, sacudiéndonos con dureza y entonces, para cuando nos quisimos dar cuenta, era demasiado tarde; estábamos vacíos, totalmente apagados. Ahora que lo pienso, nunca fuimos estrellas, fuimos estrellas fugaces, incapaces siquiera de conceder nuestros propios deseos.

Las mejores películas del 2008 (6)

2009-02-07T20:34:00.011+01:00

El estreno en 2001 de "Amelie" sirvió para que la industria del cine -encabezada por la crítica- reflexionase, una vez más, sobre la esencia misma de este, en ocasiones, noble arte. El pensamiento general -al que me sumo- es que, como en muchas otras cosas, todo está inventado, no habiendo nada nuevo que contar. Entonces, qué margen le queda al cine para innovar, para sorprender e impresionar a todo aquel que se acerca a ver una película ávido de que le cuenten una hisotria, no solo de calidad sino también original... Pues lo queda es la forma, y no me refiero solo a lo visual sino también al modo de contar las viejas historias de siempre, esas que todos conocemos.
En el imaginario colectivo quedará el 2008 como el año de "Juno", al menos, en lo que a cine independiente se refiere. No voy a deterneme a hablar sobre la película protagonizada por Ellen Page, (lo haré próximamente). Si la menciono es porque la popularidad -e indudale calidad- de la misma ha eclipsado a otras producciones, creando la falsa sensacion de que solamente hubo un buen film "indie" el pasado año. Craso error; a la ya comentada "Buscando un beso..." debemos sumarle, en esta ocasión: "Lars y una chica de verdad" (Lars and the real girl).
La pelicula dirigida por Craig Gillespie nos cuenta la historia de Lars, un treintañero que vive en un pequeño pueblo -típicamente americano- con su hermano mayor y la mujer de este. Una timidez extrema hace que apenas se relacione con sus compañeros de trabajo y vecinos . Todos ellos -empezando por su hermano y su cuñada- le animan a que busque una novia para que no esté tan solo pero él no parece estar muy interesado... hasta que un día, llega a casa con la gran noticia de que ha conocido a la chica de sus suñeos. El único problema es que esta chica, por la que bebe los vientos Lars, es una muñeca. Pese al estupor inicial, y por recomendacion de su médica, la familia de Lars decide seguirle el juego, esperando que en algún momento recupere la corduda y se de cuenta de que "pasta" está hecha su novia.
En el fondo no deja de ser una comedia romántica pero con un gran guión, atrevido, arriesgado y sin fisuras que sabe darle un nuevo enfoque a una historia mil veces contada. Ayuda también la complicidad de unos actores que entienden a sus personajes, mención especial para Ryan Goslin, -nominado al Oscar por este papel- que sabe captar a la perfección la manera de ser de un personaje tan peculiar, sin caer en el absurdo-.
La película termina siendo una dulce y entrañable fábula sobre el amor, no solo el amor romántico, tambien el familiar, y el del los amigos y el de toda una comunidad que termina por contagiarse de la bondad de Lars, por sus ganas de querer, de amar y ser amado.
Probablemente no quede nada realmente original por contar pero, películas como esta, reafirman mi fe en la creencia de que el cine mantendrá siempre intacta su capacidad para sorprendernos, aunque esto solo sea posible por medio de la forma. Siempre te querré... aunque digan que eres de plástico, mi amor es auténtico.

Las mejores películas del 2008 (7)

2009-02-04T16:38:00.001+01:00

C'EST LA VIE

Aunque fundamentalmente pintor, Julian Schnabel (Nueva York, 1951) inició en 1996 una carrera paralela como director de cine con su primer film "Basquiat", en la que retrataba al pintor grafitero Jean-Michel Basquiat -amigo íntimo de Warhol y del propio Schnabel-. A esta primera y algo fallida incursión le sucedió, en el año 2000,"Antes que anochezca" (Before Night Falls), inspirada en esta ocasion en la figura del poeta y novelista cubano Reinaldo Arenas (interpretado por Bardem en la que fue su 1ª nominacion a los Oscar).
Ocho años después, el pintor neoyorquino regresó al cine con la que es hasta ahora su última y mejor película: " La escafandra y la mariposa" (Le Scaphandre et le Papillon) en la que una vez más queda patente su interés por aproximarse a personajes reales, siendo todos ellos artistas fallecidos en su mejor momento cretaivo, vícitimas de la adversidad.
En este caso, la película se basa en las memorias autobiográficas y homónimas de Jean-Dominique Bauby -Redactor Jefe de la Revista de moda "Elle"- y en ellas relata las experiencias vividas depués de sufirir en 1997 , con 42 años, un ataque cerebral, que lo dejó consciente pero totalmente incapacitado el cuerpo.
Las semejanzas con "Johnny cogió su fusil" (Dalton Trumbo, 1971) son evidentes. Pero mientras que en aquella el tono es profundamente trágico y pesimista (en lo que es un claro mensaje antibellicista), la película de Schnabel rebosa vitalismo por todos sus poros. Sí, sigue siendo una tragedia, pero inundada por una luz y un colorido (pictórcos) que dotan al drama de una calidez que hace que todo sea más hermoso y llevadero.
"La escafandra y la mariposa" es la historia de un hombre que, en el mejor momento de su vida personal y profesional, recibe un revés del que probablemente muchos no podrían recuperarse, pero él no pierde el humor, ni la pasión por la vida y, a través de la imagiancion y los sueños, vuelve a caminar, a amar a las mujeres más bellas, y a vivir una vida que nunca dejó de lado, auqnue esta sí lo hiciese.
Es una leccion de vida, una bofetada a la conciencia y al corazón de todos aquellos que en algún momento dado hemos bajado los brazos por cosas que tenían solución. Después de verla no puedes (ni quieres) evitar sentirte afortunado por vivir, y entonces sales a la calle y sientes el aire en tu cara, y ves a los niños jugando con sus padres y piensas en la chica que te gusta y a la que por timidez no has dicho nada y te dices a ti mismo: ¡Que diablos!...

Las mejores películas del 2008 (8)

2009-02-03T03:50:00.002+01:00

EL VERANO PERDIDO

Siempre que llega septiembre y acaba el verano me embarga cierta sensación de pérdida. Me despido de un verano que se marcha y que se lleva en la maleta las horas de luz, el mar, el sol cálido y radiante y muchas otras cosas en las que pienso y que me producen, irremediablemente, cierta nostalgia. El consuelo que me queda es saber que el transcurso del año es estacional y que, dentro de nueve meses, el tiempo “dará a luz” un nuevo verano del que poder disfrutar, viviendo únicas e irrepetibles experiencias.

Sorprende como en ocasiones, dos cosas que poco o nada tienen en común producen sensaciones muy parecidas. Y es que, cuando ves “Las horas del verano” ("L'Heure d'été"), -ultima película del director galo Olivier Assayas-, la sensación de estar perdiendo algo que te llena no podría estar más presente. En este sentido, el título se muestra bastante acertado y revelador siendo “Las horas del verano” el canto de cisne de una civilización que ha llegado a su ocaso.

Assayas pone el acento en su propio país pero, en realidad, la progresiva y trágica pérdida de valores de la que nos habla la película es extensible al resto de Europa, más aún, a todo Occidente, que fracasa en el intento por mantener su propia identidad.

Temas de gran calado y envergadura son los que se tratan en “Las horas del verano” y, al contrario de lo que pueda parecer, la película lo hace con aparente sencillez y sutileza; a través de tres hermanos que tienen que hacerse cargo de la herencia de su recién fallecida madre.

Cosas de la edad, la madre parece vivir sus últimos días en el pasado, refugiándose en los recuerdos vivos que aún conserva y que antepone a un presente que ya no le interesa por considerarlo extraño, deforme y muy poco gratificante. Por ello, siendo consciente de que su final está cerca, dispone sus ultimas voluntades para que esté todo en orden y sus hijos puedan disfrutar de su patrimonio; una casa de campo y todos las obras de arte que alberga, algunas de gran valor económico y artístico.

De los tres hermanos, tan solo el mayor parece ser consciente de la responsabilidad moral que deberían tener con la herencia de sus padres, con esa preciosa casa de campo que ha visto corretear pos su pasillos a varias generaciones de niños, juagando en sus jardines a ser lo que su imaginacion les dictase, entrando en contacto con la belleza sobrecogedora que encierra la naturaleza, etc. Nada de esto parece importar ya , anteponiéndose lo material a lo sentimental, borrando así, de un plumazo, los recuerdos de un pasado único que jamás volverá ni podrá ser disfrutado por los nietos, más preocupadas estos últimos por vivir una vida lo más divertida, cómoda y fácil posible; sin sacrificios, sin responsabilidades y sin un referente en el que poder mirarse y del que poder aprender algo. Es el fracaso de una familia, el de una sociedad, el de una civilización... y también el nuestro.

Por eso es pertinente que se hagan -y nsotros veamos-, este tipo de películas, porque suponen una voz de alarma de lo que estamos haciendo al no hacer nada y por que, a diferencia del verano que siempre vuelve, todos los valores que estamos perdiendo puede que no tengan la oportunidad de regresar, quedando entonces para el recuerdo, en el museo de nuestra memoria, allí expuestos, esperando a ser recuperados.

No se si cualquier tiempo pasado fue mejor pero creo firmemente que hay cosas a las que no deberíamos renunciar nunca, bajo ninguna circunstancia, por nuestro propio bien y el de futuras generaciones. Sin duda alguna, una de las mejores y más reflexivas películas del pasado año.

Las mejores películas del 2008 (9)

2009-01-30T15:56:00.002+01:00

Hay momentos en la vida en los que sientes que has perdido el rumbo de las cosas. Eres un treintañero que no sabe muy bien qué hacer ni a dónde ir. Sientes que te estancas, que no has logrado nada que te haga sentirte realizado. Tu vida profesional va a la deriva, tu única familia se reduce a una madre que está demasiado ocupada tomando “martinis” con sus vecinos como para darse cuenta de tu infelicidad y encima, estas solo. No tienes una persona a la que poder besar y abrazar cuando te apetezca y que te haga sentirte mejor. Al menos vives con tu mejor amigo, aunque claro, está su novia, lo cual hace que te sientas todavía más solo.
Entonces llega el día en el que, cansado de mirar la ciudad desde la ventana de tu cuarto -y no ver realmente nada- decides -siguiendo el consejo de tu amigo- poner un anuncio en un programa de citas con la frase: “Misántropo busca misántropa”, con la clara intención de no estar tan solo, al menos la última noche del año, aquella en la que todos parecen tener a alguien a quien besar y abrazar, esta, todos salvo tu... y alguien más a quien esperas conocer para llevar más llevadera tu desdicha, al menos durante esa noche. Esta es la premisa de "Buscando un beso de medianoche", una de las más gratas sorpresas del pasado año.
Como película independiente que es, vino sin hacer mucho ruido, sin publicidad, en blanco y negro, con actores desconocidos... y lo cierto es que nada de esto importa cuando se tiene un buen guión y la complicidad de la pareja de actores protagonista, que saben transmitir el pesar de sus personajes, interpretándolos con enorme naturalidad, haciéndolos creíbles, consiguiendo que empaticemos con ellos.
Llena de autenticidad, con momentos divertidos y graciosos, otros más dramáticos, siempre íntimos, la película nos cuenta la breve pero intensa historia de dos desconocidos, dos almas desconsoladas necesitadas de afecto. A medida que transcurre el día, surgen las confesiones, se comparten los miedos y las debilidades, mostrándose cada vez más frágiles e infelices.
Y en medio de esta mar de tristeza, surge entonces una sanadora sensación de que no todo está perdido, de que a veces no somos tan desdichados como creemos serlo, lo único que necesitamos es un poco de cariño.

Las mejores películas del 2008 (10)

2009-01-28T02:02:00.002+01:00

El cine de los Cohen se ha caracterizado por seguir dos vertientes bien distintas; la de la comedia más disparatada, absurda y entretenida con pelis divertidísimas como "Arizona Baby" o "El gran Lebowsky" y otra, -mucho más cruda y violenta- con clásicos como "Muerte entre las flores" o "Fargo". "No es país para viejos" quedaría enmarcada en esta última.
En ella los Cohen, adaptando la novela homónima de Cormac McCarthy, componen ese tipo de obras que son (y cuentan) mucho más de lo que aparentan. Y es que, bajo la forma del juego del gato (espléndido Bardem) y el ratón (Jason Brolin) se esconde, en el fondo, un sentimiento trágico que poco a poco, y casi sin hacer ruido, va inundando la historia (y al espectador). Es el sentimiento de una generación perdida(representada por el personaje interpretado por Tommy Lee Jones) , anclada en el pasado y que vive ya su ocaso.
El film de los Cohen muestra la muerte más cruenta, la del disparo a bocajarro en la cabeza pero también, una muerte silenciosa, lenta pero firme, que comienzan a sentir muchas personas cuando llegan a cierta edad. Estas, incapaces de amoldarse a los nuevos tiempos, vuelven con nostalgia la mirada a un pasado que entendían y en el que todo parecía tener sentido... dejando para las nuevas generaciones una realidad que les resulta totalmente ajena, demasiado frenética y definitivamente salvaje.
La ultima escena, con el personaje de Tommy L. Jones, es un fiel reflejo de lo dicho, dejando además en el espectador un nudo en la garganta, un sentimiento difícil de digerir y la firme convicción de que cualquier tiempo pasado sí fue mejor y que, definitivamente, el suyo (y el nuestro), no es pais para viejos. Una de las mejores películas del año pasado, sin duda alguna.